Ccine

Guerra é Guerra | Trailer Legendado

2012-03-12T00:00:00.000-07:00

JOHN CARTER - ENTRE DOIS MUNDOS (Crítica)

2012-03-11T12:56:00.001-07:00

Por Kadu Silva

Edição Kadu Silva

Nasce um novo herói

Heróis são sempre fonte inesgotáveis de inspiração para os grandes cineastas, visto a quantidade enorme de longas-metragens que trazem como protagonistas um "super homem", em sua grande maioria são provenientes de quadrinhos ou de livros best sellers, porém ele se destaca quando buscam construir um herói sem fama diante do espectador - foi exatamente isso que Andrew Stanton o diretor do filme conseguiu com John Carter.

A história do longa é até certo ponto batida - já vimos isso em outros longas. John Carter é um soldado americano, fascinado por aventuras, numa dessas ele acaba indo parar em Marte (devidamente explicado no filme) e ao acordar descobre que possui um poder que se mostra fundamental para sua sobrevivência. Ao explorar o planeta verifica que o mesmo se encontrar devastado por povoados rivais e em uma dessas suas lutas conhece a princesa Deja Thoris (Lynn Collins) por quem acaba se apaixonando, deixando ele dividido entre os dois mundo.

O longa foi baseado na obra homônima de Edgar Rice Burroughs - que muitos podem achar que é uma cópia de Avatar, mas o livro de Burroughs é de 1912 ou seja a pelo menos 100 atrás, se podemos encontrar algum tipo de "cópia" aqui, é exatamente na obra de James Cameron. Em uma entrevista Cameron, declarou que de fato essa obra foi muito importante no processo de pesquisa de Avatar, apesar disso em nenhum momento temos a sensação de estarmos vendo um remake, pois o roteiro de Andrew Stanton e Mark Andrews é perfeito em construir um novo e incrível universo.

Andrew Stanton faz sua estreia em filmes live action, ele foi responsável pelos sucessos de animação Wall-E, Procurando Nemo, Vida de Insetos sem contar outros que ele foi produtor ou esteve envolvido de alguma forma. Stanton é um grande nome da Pixar, por isso foi escolhido para esse desafio que é - mesmo não declarada abertamente, o primeiro longa da cia. com atores reais, tanto é que boa parte da equipe técnica também faz parte da Pixar, mas como sabemos foi distribuído com a batuta Disney.

Apesar de estreante Stanton mostra um domínio incrível de tudo que envolve o longa, a começar pela condução uniforme dos atores, todos de pouca conhecimento do público e também de pouca experiência na telona, vale destacar as cenas de ação, que são de um cuidado técnico primoroso. Mas o grande mérito do diretor foi saber construir a figura de John Carter para o público - mesmo que tenha bebido na fonte do Indiana Jones - ele consegue de forma muito bem arquitetada essa tarefa, trazendo para o personagem algumas características que são fundamentais para que um herói desse porte.

Outro ponto positivo do diretor é conseguir dar ritmo para esse longa de mais de 2 horas de duração, alternando muito bem as cenas de pura adrenalina com as de uma certa dramatização que é fundamental para entender as reviravoltas bem escritas no roteiro.

Taylor Kitsch que faz John Carter segura muito bem a tarefa de viver esse novo heroi, mostrando habilidade na interpretação e o carisma fundamental para o personagem.

Lynn Collins esbanja sensualidade vivendo a princesa Dejah e também se sai bem em sua tarefa. O restante do elenco também segura bem o filme

John Carter - Entre dois mundo é um típico filme pipoca, mas que tem por traz o konw hall Pixar, que eleva sua qualidade para um patamar bem alto.

Mesmo sendo um mix de o melhor de outros filmes de ação e aventura, esse novo filme da Disney merece muito ser assistido, pelo acabamento técnico e principalmente por um roteiro inteligente e muito bem amarado, causando para quem assisti uma satisfação inegável.

DESTAQUES

Para ótima trilha sonora de Michael Giacchino. E vale destacar também o ótimo design das criaturas feitas através da computação gráfica, destaque para o carismático animal, que infelizmente esqueci o nome, que faz uma espécie de cachorro de marte, sensacional!

SINOPSE

O soldado americano John Carter (Taylor Kitsch), para a tristeza de seus parentes, faleceu no planeta Terra. Contudo, para a alegria de outros, ressuscitou em Marte. Agora, em meio a uma guerra civil no planeta vermelho, habitado por seres de cor verde e criaturas gigantescas, ele é visto como a única esperança de ajudar a princesa Deja Thoris (Lynn Collins) a salvar o seu mundo, numa batalha que mudará para sempre o seu destino.

ELENCO

Taylor Kitsch (John Carter)

LynnCollins (Dejah Thoris)

DominicWest (Sad Than)

Mark Strong(Matai Shang)

DIREÇÃO

Andrew Stanton

FICHA TÉCNICA

Título Original: John Carter
Gênero: Ficção científica, Aventura, Ação
Duração: 2h 12min
Ano de lançamento: 2012

TRAILER

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Avatar - O Senhor dos Anéis - Indiana Jones

W.E.- O ROMANCE DO SÉCULO (Crítica)

2012-03-10T15:25:00.001-08:00

Por Kadu Silva
Edição Kadu Silva

Uma enxurrada de clichês

Parece que a moda do momento em Hollywood é ser cineasta. Na década passada e no começa dessa, está tendo uma verdadeira overdose de atores se arriscando na função de dirigir filmes, o mais bem sucedido é George Clooney com Confissões de uma mente perigosa, Boa noite, Boa sorte e o mais recente Tudo pelo Poder, depois dele o mais novo querido dos amantes do cinema é Ben Affleck que viu sua carreira alavancar depois do elogiadíssimo Atração Perigosa, deixando todos ansiosos para seu novo filme Argo, que tem estreia prevista para 14 de setembro.

No final do ano passado outros nomes também apresentaram para o público suas produções, uma delas foi Angelina Jolie com ainda inédito aqui no Brasil In the Land of Blood e Madonna que apesar de muitos acharem que é a estreia da diva pop na direção não é, esse é o seu segundo longa metragem, seu primeiro filme foi o modesto Fith and Wisdom, em 2008.

A premissa desse longa é interessante, conta a história de Wally (Abbie Cornish) uma cidadã comum, muito interessada na famosa história romântica (W./E.) de Wallis Simpson (Andrea Riseborough) uma americana divorciada 2 vezes que se apaixona e larga tudo para viver o amor com e Edward VIII (James d'Arcy) o herdeiro do trono inglês que também abdicou de seu futuro reinado para viver essa paixão.

Madonna declarou que a personagem de Wally é seu verdadeiro alter ego, pois como ela, ficou praticamente obcecada por tudo que envolvia essa real história de amor, além de querer entender como alguém pode largar tudo por outra pessoa.

Essa dedicação da diretora é de fato perceptível no longa, seu cuidado pelos detalhes e principalmente pela reconstituição de época salta aos olhos, mas o roteiro que ela assinou junto com Alek Keshishian ficou muito fraco, primeiro por não fugir dos clichês de filmes do gênero e segundo por não dar um ritmo linear para a trama.

Outro ponto negativo que o longa apresenta são os momentos de "alivio" cômico, que destoam totalmente da proposta do filme, causando até um certo desconforto para o público.

Não querendo pegar no pé da cantora, mas sua criatividade em desenvolver o longa é praticamente zero. Ao assistir o filme fica clara as reproduções de cenas de outros filmes clássicos como o Discurso do Rei e Titanic por exemplo.

Mas o pior defeito mesmo do longa é seu ritmo arrastado que dá a impressão de que estamos vendo um filme de umas 4 horas, principalmente pela montagem que vai e vem no tempo, cansando quem está assistindo.

Já o elenco tem bons e fracos atores, Andrea Riseborough que faz a Wallis Simpson é a que mais se destaca conseguindo manter uma atuação coerente do começo ao fim, outro bom ator é Oscar Isaac que faz o segurança Evgeni também sabendo cotornar situação "ridiculos" com um bom domínio cênico.

A mais fraca e que está praticamente durante todo o longa é Abbie Cornish que se mostra apática se sem vida em todas as situação que sua personagem está envolvida.

Como já citei o acampamento técnico é de fato o destaque do filme, bela fotografia, direção de arte primorosa e figurinos perfeitos.

Eu poderia dizer que não indicaria esse filme, mas vou fazer diferente, porque assim como eu, tenho certeza que causa uma certa curiosidade ver como a divã pop se saiu por detrás das câmeras, então veja e tire sua conclusões.

DESTAQUE

Trilha sonora em alguns momentos tem um papel fundamental para evolução da trama, mas também peca pelo exagero em outros.

SINOPSE

Anos 30. O Duque de Windsor, Eduardo VIII (James d'Arcy), é o primeiro na lista de sucessão da coroa britânica. Ele conhece e se apaixona por Wallis Simpson (Andrea Riseborough), uma americana casada. Quando Eduardo assume o trono passa a sofrer pressão para que não se case com Wallis, devido ao fato dela não ser inglesa e ter dois divórcios no currículo. Para ficar com seu grande amor, ele renuncia ao trono, que passa a ser ocupado por seu irmão Bertie (Laurence Fox). Em 1998, Wally Winthrop (Abbie Cornish) é obcecada pela história de amor entre Eduardo e Wallis. Ela trabalha na preparação de um grande leilão de objetos do casal e costuma fantasiar como seria a vida deles. Entretanto, na vida real Wally enfrenta vários problemas no casamento com William (Richard Coyle).

ELENCO

AbbieCornish (Wally Winthrop)

AndreaRiseborough (Wallis Simpson)

Jamesd'Arcy (Edward VIII)

Oscar Isaac (Evgeni)

DIREÇÃO

Madonna

FICHA TÉCNICA

Título Original: W.E.
Gênero: Romance
Duração: 1h 59min
Ano de lançamento: 2012

TRAILER

FILMES RELACIONADOS
Titanic - Discurso do Rei - Tristão e Isolda

O PACTO (Crítica)

2012-03-09T07:00:00.000-08:00

Por Kadu Silva

Edição Kadu Silva

Confuso e cheio de falhas

Hoje em dia é impossível escrever sobre algum filme de Nicolas Cage sem ressaltar suas inúmeras falhas ao escolher os filmes para seu currículo. Para se juntar a todos esses, tem mais um que além de fraco, tem umas das piores interpretações de Cage dos últimos tempos. Vou explicar porque?

Na trauma vamos conhecer Will (Nicolas Cage) um professor do colegial que tem uma vida feliz e pacata com sua esposa Laura (January Jones), até que ela é violentada após sair de um dos ensaio da orquestra que faz parte e vai parar no hospital, lá Will conhece um homem misterioso (Guy Pearce), que lhe oferece ajuda para se vingar do homem realizou o crime, mas em troca ele vai ter que matar alguém como forma de pagamento. Desse momento em diante, ele e a esposa precisam arrumar uma maneira de escapar deste homem e seu grupo de vigilantes, dispostos a tudo para receber seu pagamento.

Premissa típica de um thriller com bastante suspense, e é exatamente isso que tenta fazer o diretor Roger Donaldson, usando a "surpresa" como forma de "enganar" o espectador sobre o que é de fato certo e errado nesse trama que em seu desenrolar se mostra confusa e repleta de falhas.

Os roteiristas Todd Hickey e Robert Tannen pecam principalmente em não encontrar uma forma de explicar o que é essa tal organização que esse tal homem misterioso faz parte, qual o objetivo? de onde vem? o que eles querem? Mesmo que a justificativa seja por se tratar da visão de Will, esse tal recurso se mostra falho, visto o roteiro tira o foco desse caminho em vários momentos durante a narrativa.

Não bastasse isso, ainda o elenco é muito fraco ou melhor Nicolas Cage e sua esposa na trama January Jones estão muito abaixo da média e suas interpretações beiram ao desleixo. Em nenhum momentos ambos passam emoção ou mesmo verdade nos personagem o que acaba por não causar a empatia que se mostra necessária no desenrolar da trama.

O único destaque no elenco é Guy Pearce, muito bem no papel do vilão, tentando extrair o máximo do personagem nessa trama bagunçada, infelizmente sozinho não é possível fazer muita coisa, mesmo assim rouba a cena sempre que está presente.

Como era de se esperar mais um filme em que Nicolas Cage erra ao escolher fazer parte e pior erra no "time" interpretativo o que é mais grave, por isso, eu diria para os fãs do astro e para quem gosta de filmes nesse estilo, melhor é esperar uma nova produção para quem sabe, possamos ver algo realmente interessante e que faça jus ao prestígio que um dia esse ator teve da crítica e principalmente do público. O Ccine não recomenda para ir ao cinema, caso tenha curiosidade a melhor escolha é mesmo assistir em DVD ou Blu-ray quando estiver disponível. Fica a dica.

DESTAQUE

As cenas de perseguição foram bem filmadas e vai o destaque aqui.

SINOPSE

O professor colegial Will Gerard (Nicolas Cage) leva sua vida tranquilamente com a esposa Laura (January Jones), até o dia em que ela foi atacada na rua e terminou gravemente feriada em um hospital. Mas o que ele nunca iria imaginar era que ao conhecer um homem misterioso (Guy Pearce), que ofereceu ajuda para encontrar o bandido responsável pelo crime e se vingar dele, passaria a se tornar alvo de uma cobrança descabida: matar alguém como forma de pagamento. Agora, ele e a esposa precisam arrumar uma maneira de escapar deste homem e seu grupo de vigilantes, dispostos a tudo para receber seu pagamento.

ELENCO

NicolasCage (Will Gerard)

Guy Pearce(Simon)

JanuaryJones (Laura Gerard)

HaroldPerrineau (Jimmy)

DIREÇÃO

Roger Donaldson

FICHA TÉCNICA

Título Original: Seeking Justice

Gênero: Ação, Drama, Suspense

Duração: 1 hr 45min

Ano de lançamento: 2012

TRAILER

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Reféns - Salt - A Cilada

ESTÃO DIZENDO: As informações chegam sem nenhum propósito e o espectador fica refém de uma história sem fundamento.

O que muitos amantes da sétima arte temiam acontece: Cage erra de novo! (Agência Infoco news)

FILMES EM CARTAZ (09/03/2012)

2012-03-09T00:00:00.000-08:00

John Carter: Entre Dois Mundos

SINOPSE

Trailer (Clique aqui)

W.E.- O romance do século

SINOPSE

Segundo longa dirigido pela cantora e atriz Madonna. Trata-se de um drama romântico focado em duas épocas. O rei Eduardo VIII (James D'Arcy), da Inglaterra, se apaixona pela americana divorciada Wallis Winthrop (Abbie Cornish). Paralelamente, décadas depois, uma mulher casada vive um caso de amor com um segurança russo.

Trailer (Clique aqui)

O pacto

SINOPSE

Crítica e Trailer (Clique aqui)

O grande milagre

SINOPSE

Em 1989, uma família de baleias ficou presa sob o gelo do Ártico e o repórter Adam Carlson (John Krasinski) não se conformava com a situação. Disposto a mudar essa realidade, ele começa uma verdadeira batalha ao lado de Rachel Kramer (Drew Barrymore), ativista do Greenpeace, para salvar os animais, da espécie baleia-cinzenta. Juntos, eles conseguem mobilizar pessoas de variados grupos, como os nativos da região, funcionários de empresas petrolíferas e até americanos e russos, históricos inimigos durante a Guerra Fria.

Trailer (Clique aqui)

Cairo 678

SINOPSE

Fayza (Boshra) é uma dona de casa pacata e mãe de dois filhos, que não consegue evitar o assédio diário ao pegar o ônibus. No outro lado da cidade vive Seba (Nelly Karim), uma endinheirada designer de joias que, após ser violentada durante um jogo de futebol, passa a ensinar outras mulheres a se defender. Já Nelly (Nahed El Sebaï) virou alvo de todo o país ao se tornar a primeira egípcia a apresentar uma queixa na justiça por assédio sexual.

Trailer (Clique aqui)

Na próxima semana: Anderson Silva: Como água, Beleza adormecida, Guerra é guerra, Habemus Papam, Meu primeiro casamento, Movimento Browniano, Pequenos espiões 4, Pina, Projeto X – Uma festa fora de controle, Protegendo o inimigo e Shame. Sujeito a alterações por parte das distribuidoras.

Madonna - Masterpiece (W.E. - O Romance do Século)

2012-03-08T08:00:00.000-08:00

LUA DE FEL (Crítica) Na estante

2012-03-08T07:00:00.000-08:00

Ficha Técnica

Título Original: Bitter Moon

Ano do lançamento: 1992

Produção: França / Inglaterra / EUA

Gênero: Drama

Direção: Roman Polanski

Roteiro: Gerald Brach, John Brownjohn, Roman Polanski

Sinopse: Um casal de ingleses, Nigel (Hugh Grant) e Fiona (Kristin Scott Thomas), embarcam num cruzeiro marítimo onde conhecem a sensual Mimi (Emmanuelle Seigner), uma francesa casada com o americano Oscar (Peter Coyote), homem preso a uma cadeira de rodas. Ao notar o interesse que Nigel sente por Mimi, Oscar resolve contar sua história com ela, como se conheceram e se amaram loucamente até a paixão doentia se transformar em um ritual de humilhação.

Por Loverci Ferreira

Esta aí um filme que não me canso em ver, não sei exatamente precisar o que mais gosto nele, talvez é a forma com que as personagens são mostradas com seus medos, desejos e maldades sem nenhum pudor é o que mais me atrai.

A história baseada no romance de Pascal Bruckner, adaptado para o cinema por Gérard Brach, John Brownjohn e Roman Polanski é o que mais prende a atenção durante a apresentação do filme com viradas que não prevemos onde vão chegar.

Temos um elenco afinado com ótimas interpretações, nesse filme formou-se o casal romântico Hugh Grant e Kristin Scott Thomas, que iriam repetir a formula em “Quatro casamentos e um funeral” e se tornariam grandes estrelas de Hollywood nos filmes seguintes.

Mas o que mais me chama a atenção entre os atores é a atuação da francesa Emmanuelle Seigner, depois desse filme não lembro de ter visto nada mais com essa atriz, até assistir “Piaf-um hino de amor” e vê-la novamente numa grande atuação interpretando a prostituta “Titine” que protege a “Edith” ainda criança.

Essa grande atriz é casada com o diretor Roman Polanski desde 1989 e são poucos os filmes em sua carreira, mas nesses dois filmes ela mostra como sua atuação consegue nos prender na história.

O diretor mergulha no universo dos desejos sexuais, de forma bonita e pesada ao mesmo tempo, o casal principal vive uma intensa relação de amor é ódio, uma espécie de “sadomasoquismo”.

Por mais que eu goste muito do filme não vejo nada de extraordinário na direção de Roman Polanski, o que ele tem como base é um ótimo roteiro, tão bom como quando ele dirige a grande história de “Oliver Twist”.

Acredito que um ator ou diretor não salva um roteiro ruim e o contrário também pode ocorrer, se não tiver um bom trabalho de todas as partes o roteiro pode passar despercebido por melhor que seja e todos em “Lua de fel” cumprem de forma muito boa o seu papel.

A história se passa em dois tempos e é narrada por um dos protagonistas, no primeiro momento temos um casal de ingleses Nigel (Hugh Grant) e Fiona (Kristin Scott Thomas) viajando num cruzeiro marítimo para comemorar o seu aniversário de casamento, eles acabam conhecendo a linda Mimi (Emmanuelle Seigner), francesa casada com o americano Oscar (Peter Coyote), homem preso a uma cadeira de rodas.

Logo o marido da sensual jovem percebe o interesse de Nigel por sua esposa e aproveitando a oportunidade começa a contar a história de amor e luxúria que cercou a vida de ambos.

A história deles começa quando Oscar por uma sorte do acaso encontra a bela jovem no ônibus com um semblante triste, mesmo assim ele não consegue tirar os olhos dela que nada percebe, na hora que o cobrador se aproxima para pegar o bilhete de transporte com ela, Oscar percebe que ela não o tem e discretamente dá seu próprio bilhete, sem o comprovante de transporte ele acaba descendo na próxima parada.

Ter encontrado essa jovem uma única vez se torna uma obsessão para ele e todos os dias ele espera nos pontos de ônibus para ver se encontra ela novamente, o tempo passa e a vida segue, mas ele acaba não esquecendo sua musa e um dia quando esta num restaurante com uma das suas tantas amantes encontra ela novamente atendendo como garçonete.

Naquele momento ele percebe que não pode deixar que ela desapareça de sua vida novamente, logo marcam um encontro e ele vai busca-la na academia onde ela faz dança, uma de suas grandes paixões.

O primeiro encontro logo cela uma grande paixão entre os dois, ela para de trabalhar como garçonete e vai morar com ele, apenas continuando a frequentar as aulas de dança, com o tempo os amantes começam a experimentar um frenesi de “vulgaridades” em se tratando de sexo que são muito precisas e bem colocadas pelo roteirista e diretor.

Uma das melhores sequências é quando eles tomam café da manhã juntos após uma longa noite de sexo, ela bebe leite direto da garrafa e em seguida derrama o liquido pelo peito nu oferecendo ao amante que sorve gota a gota com muita volúpia.

Tudo vai bem entre eles, mas Mimi acaba desenvolvendo uma paixão doentia por ele e uma vez que Oscar percebe que ela já esta completamente apaixonada por ele e comendo em sua mão seu interesse vai diminuindo.

Para tentar sair da rotina o casal começa a visitar sexy shop e ir atrás de suas mais loucas fantasias, chega ser hilário ver uma cena de sadomasoquismo em que ele com máscara de porco se arrastando pelo chão e ela como fazendeira “dominatrix” reprime o bichinho sujo.

Outra cena muito interessante acontece quando ele esta amordaçado e amarrado numa cadeira, ela dança semi-nua de forma sensual para ele e brinca com uma navalha passando por seu corpo até rasgar sua camiseta, juro que pra mim aquela cena parece totalmente improvisada, tamanho é o pânico que conseguimos ver no olhar de Oscar que não tem como se livrar dela, não posso deixar também de citar a primeira vez que ela dança para ele com velas espalhadas pelo chão, é de uma sensualidade incrível.

Só que com o tempo o relacionamento deles vai esfriando, as coisas não saõ mais como antes e ele sugere que os dois se afastem, ela enlouquece perante a ideia e chega ao extremo de admitir o que ele quiser no relacionamento somente para continuar ao seu lado.

Sabendo disso ele começa a destruir a auto estima dela lentamente, esfregando mulheres em sua cara e a humilhando de todas as formas, assim aquela mulher linda e sensual se torna uma gorda relapsa.

Numa virada cruel do destino ela acaba engravidando e quando ela conta a novidade ele ordena que ela tire esse filho, pois será o melhor para ambos, resultando num processo de aborto que quase custa a sua vida.

Sensibilizado pela situação triste em que ela se encontra ele acaba comprando uma passagem para que eles viagem juntos, ela fica feliz com a ideia de um novo recomeço entre eles, só que sentados a espera da decolagem do avião ele acaba fingindo que esta passando mau e saí da aeronave deixando ela partir sozinha nessa viagem.

O tempo passa novamente e a vida de Oscar segue assim como suas conquistas, ele se entrega a todo que aparece no seu caminho sem ter mais notícias dela.

A história é cheia de viradas imprevisíveis, um dia ele muito bêbado sai de um bar e acaba sendo atropelado, acaba parando no hospital com a perna quebrada e adivinha quem aparece do nada para visitá-lo?

Sim Mimi, novamente linda depois de um longo tempo fora, o diálogo entre os dois é muito bem construído e ela conta o que fez durante esse tempo longe dele e se mostra uma amiga sem ressentimentos.

Agora a você leitor vai uma dica, nunca se engane com a bondade de uma mulher traída e humilhada, em mais uma virada do destino ela oferece a mão a ele que deitado na cama se estica para aceitar o cumprimento, ela acaba puxando ele que caí no chão com a perna que já estava quebrada.

Quando ele acorda depois de um tempo, Mimi encontra-se parada ao seu lado com um olhar angelical, logo ela da a notícia que ele nunca mais vai andar na vida, mas que a vantagem disso tudo é que ela ira cuidar dele.

Esse cuidar significa, ela retribui tudo que ele lhe fez de mau com todas as forças, deixa ele congelando na banheira, não deixa ele atender telefonemas, transa com um amigo de dança na frente dele e chega ao absurdo de dar uma arma de presente para ele no dia do seu aniversário.

Quando parece que eles já não tem para onde ir mais, acabam oficializando sua relação e casando seguindo depois para uma viagem de Lua de mel, ou seria Lua de fel ?

Nigel muitas vezes não quer mais ouvir a história desse interlocutor, mas ao mesmo tempo se vê cada vez mais envolvido querendo saber tudo sobre essa bela mulher que acompanha o marido enfermo numa viagem.

Fiona por sua vez, percebe o interesse do marido não pelo companheiro de viagem, mas sim por sua bela esposa.

Como trilha sonora principal temos “Vangelis”, muito conhecido na época por ser um dos percursores do estilo new age.

Confesso que não gosto muito de fazer resenha de filmes que tenho que falar sobre a história, acredito que às vezes para o leitor que não viu o filme pode atrapalhar o momento surpresa que o cinema nos oferece, por isso na maioria das vezes me prendo mais em detalhes técnicos e em poucas páginas.

Por isso já contei muito da trama e para por aqui, mas a história não termina nesse momento, pois voltamos para o conquistador Nigel e seu objeto de desejo no tempo atual, será que ele conquista Mimi? O que acha sua mulher Fiona sobre isso? E o final do marido paralítico?

Enfim para vocês saberem como termina a história, minha dica é que assistam o filme, para os que já viram sempre é bom rever um clássico desses que conta com ótimas atuações, roteiro e dirigido por um dos grandes mestres do cinema: Roman Polanski.

TRAILER

MELHORES FILMES DIRIGIDOS POR MULHERES

2012-03-08T05:41:00.001-08:00

01º Quero Ser Grande (Big, 1988), da diretora Penny Marshall

02º O Piano (The Piano,1993), da diretora Jane Campion

03º Guerra ao Terror (The Hurt Locker, 2008), da diretora Kathryn Bigelow

04º Pequena Miss Sunshine (Little Miss Sunshine, 2006), da diretora Valerie Faris

05º Psicopata Americano (American Psycho, 2000), da diretora Mary Harron

06º As melhores coisas do Mundo (As Melhores Coisas Do Mundo, 2010) da diretora Laís Bodansky

07º Encontros e Desencontros (Lost in Translation, 2003), da diretora Sofia Coppola

08º Casamento à Indiana (Monsoon Wedding, 2001), da diretora Mira Nair

09º Os Reis de Dogtown (Lords of Dogtown, 2005), da diretora Catherine Hardwicke

10º O Triunfo da Vontade (Triumph des Willens, 1935) da diretora Leni Riefenstahl

O Grande Milagre | Trailer Legendado

2012-03-08T00:00:00.000-08:00

ARMADILHA DO DESTINO (Crítica) Na estante

2012-03-07T07:00:00.000-08:00

Ficha Técnica

Título Original: Cul-de-Sac

Ano do lançamento: 1966

Produção: Inglaterra

Gênero: Drama cômico

Direção: Roman Polanski

Roteiro: Gérard Brach e Roman Polanski

Sinopse: Richard (Lionel Stander) e Albert (Jack MacGowran) são dois gângsters que tem o carro enguiçado quando estão em meio a uma fuga de um assalto fracassado. Eles decidem se esconder em um castelo medieval próximo, onde reside um excêntrico casal que é obrigado a ajudá-los a entrar em contato com seu chefe.

Por Kadu Silva

Sinceramente escrever sobre qualquer filme de Polanski para mim, vai ser uma verdadeira descoberta, afinal, eu quase não conhece muito de suas obras, por isso resolvi ir em busca dos filmes mais antigos e que como dizem mostra a essência do diretor e a origem do que hoje virou marca registrada.

Esse Armadilha do destino é o segundo longa-metragem do diretor, conseguindo com ele o Urso de ouro em Berlim e o reconhecimento de toda a crítica especializada dizendo que o filme é um thriller psicológico de estilo único.

Um ano após trabalhar com Catherine Deneuve em Repulsa ao Sexo, Roman Polanski escalou sua irmã, um ano mais velha e quase tão bonita quanto, Françoise Dorléac – que logo depois iria morrer em um acidente automobilístico – para viver a protagonista de Armadilha do destino: uma jovem e atraente esposa de um ex-industrial, vivido por Donald Pleasence, que com ele vive refugiada em um castelo medieval numa ilha britânica, uma espécie de fortaleza contra as inconveniências do louco mundo contemporâneo. Mas os planos do casal – ou melhor, do homem – em se isolar irão por água abaixo quando dois gângsteres, após uma fracassada tentativa de golpe, chegam ao castelo para recuperarem forças e chamar por ajuda. A partir daí, não apenas a imponente e estranha residência irá sucumbir, mas também o estado psicológico do casal – até um ponto praticamente irreversível.

Na minha visão o filme é uma sátira social repleta de humor negro com personagem caricatos que representam ícones sociais pouco agradável a maioria das pessoas.

George e Teresa o casal protagonista é a representação "sádica" do casamento por conveniência, ela uma bela e fogosa mulher e ele um homem bem sucedido que apesar que curtir seu castelo medieval, não demonstrando pela esposa nenhum tipo de interesse sexual e como é de esperar ela se satisfaz com outros homens.

Essa busca por satirizar a sociedade fica ainda mais em evidencia quando o casal recebe a visita inesperadas de convidados - um inconveniente empresário, sua esposa fofoqueira e o filho mimado, além de um conquistador de araque e sua namorada, que só abre a boca para comentar sobre as marcas das roupas ao seu redor. Logo percebemos que esses três personagens, tão distintos entre si, têm uma coisa em comum: o isolamento, o tédio, a falta de sentido para suas vidas.

Polanski ainda começando a gravar seu nome no hall dos grandes diretores usando o tom claustrofóbico, para evidenciar a mulher reprimida no casamento e o bandido reprimido numa ilha quase isolado do mundo, e como bem diz o titulo original do filme Cul-de-Sac, um beco sem saída (expressão francesa). E esses dois pólos juntos acabam por desmoronar a vida aparentemente perfeita que viviam, tudo num tom cômico e peculiar.

Tecnicamente impecável o filme é até hoje considerado por muitos o melhor longa-metragem na carreira do diretor, seja pela direção competente ou mesmo pelo roteiro criativo de satirizar de forma bem humorada uma sociedade hipócrita e reprimida.

Como bem lembrou o Júlio Pereira do blog Lumi7, Polanski fez escola, e nesse filme conseguimos ver grandes "artifícios" que hoje são muito usados por outros diretores, os mais famosos sem dúvida são os irmãos Coens que utilizam do humor negro como ninguém em suas obras, fato que como vemos aqui já foi a muito tempo usado de forma perfeita pelo grande e polêmico diretor Roman Polanski.

TRAILER

W.E. - O Romance Do Século | Trailer Legendado

2012-03-07T00:00:00.001-08:00

ALIEN VS PREDADOR (Crítca) Na estante

2012-03-06T07:00:00.000-08:00

Ficha Técnica

Título Original: AVP: Alien vs. Predator

Ano do lançamento: 2004

Produção: EUA

Gênero: Ficção científica e Fantasia

Direção: Paul W.S. Anderson

Roteiro: Dan O'Bannon, Ronald Shusett, Jim Thomas, John Thomas e Paul W.S. Anderson

Sinopse: Uma pirâmide até então desconhecida é encontrada na Antártica através de satélites, fazendo com que uma equipe de cientistas e aventureiros seja enviada para investigar o local. Porém lá eles fazem uma descoberta atrás da pirâmide serve de abrigo para duas raças alienígenas extremamente violentas, que estão em guerra.

Por Emanoel Achiles

Ou “uma lição do que não fazer em um filme”.

Como acabar com dois personagens ícones do cinema de ficção? Simples. Chame um diretor horrível de quinta categoria que não entende nada destes personagens, com um roteiro capenga pior ainda, junte a ânsia por dinheiro de um estúdio em faturar com franquias consagradas, produtores que não compreendem o material que tem nas mãos e, surpresa, está lançada na história do cinema uma das piores coisas que já apareceram na tela grande — uma das piores porque, pior que ela mesma, só sua continuação.

Batizado de AVP, Alien versus Predador é um equívoco, para não definir como outra coisa mais baixa. Sucesso nos quadrinhos desde 1989 e em jogos de vídeo games, alguns até interessantes, diga-se de passagem, o confronto das duas criaturas conhecidas do cinema já corria nos bastidores de Hollywood desde o início da década de 90, logo após a chegada aos cinemas de Predador 2. Neste, numa interessante sequência, pode ser visto um crânio fossilizado de um alien preso em uma parede usada como mural de troféus do Predador — o que alimentou as mentes de roteiristas e a imaginação de produtores sequiosos por dinheiro até 2004, quando Alien Vs Predador finalmente chegou aos cinemas.

Esboços e roteiros foram rejeitados pelos produtores, que queriam uma trama ambientada na Terra — arco aberto no final de Alien, a ressurreição e característica das tramas dos dois filmes de predadores. Entrou na jogada, por motivos até então sombrios e desconhecidos, a figura de Paul W. S. Anderson, com uma trama que, segundo o mesmo, havia trabalhado nela por anos.

Paremos por aqui.

Pode-se dizer que é, justamente nesse ponto, que a coisa começou a desandar de vez. Anderson, diretor de filmes fracos baseados em games como Resident Evil e Mortal Kombat criou uma trama completamente sofrível, rasa, artificial, sem originalidade e sem dinâmica.

No filme, uma pirâmide até então desconhecida é encontrada na Antártica através de satélites, fazendo com que uma equipe de cientistas lideradas por Charles Bishop Weyland (Lance Henriksen, que interpretou o personagem Bishop em Aliens e Alien³), um bilionário que possui vínculo com a Weyland-Yutani Corporation da série Alien, e aventureiros sejam enviados para investigar o local. Uma vez lá — se o espectador não desistir e abandonar o filme — se descobre que a pirâmide marcava ritos de passagem da raça de predadores, que humanos eram postos em sacrifício para reprodução da caça (no caso, os aliens), os predadores recém-desembarcados caçam aliens, que caçam humanos, que se aliam a predadores, numa mistura absurda, incoerente e cheia de buracos — que ainda traz, de cortesia, uma rainha alien congelada (?) que volta a vida.

Não é por falta de material nem de ideias que o filme não deu certo. A ideia poderia ser primeiramente trabalhada em uma minissérie ou filme para a TV, por exemplo, para que fossem testadas as reações de crítica e público ou se fizessem os ajustes necessários para a transposição para o cinema (a Tv talvez seja a única mídia que ambas as séries não alcançaram). Uma série de Tv manteria na mente do público as duas franquias “frescas”, preparando o combate para algo melhor trabalhado posteriormente no cinema. Há, até nos quadrinhos, tramas mais interessantes e bem elaboradas que poderiam servir de alicerce. O resultado medíocre do filme é, assim, medido pela ineficiência e falta de competência dos envolvidos. Na época, a direção foi oferecida para Guillermo del Toro, e, como que num acesso de previsão, sabiamente pulou fora desse desastre — aliás, Del Toro, de O labirinto do fauno e Hellboy, dono de um visual peculiar em seus filmes, provavelmente poderia fazer coisa melhor se estivesse envolvido desde o começo. A atriz Sigourney Weaver, a Ellen Ripley da série Alien, chegou a dizer que o conceito do filme lhe parecia horrível, na falta de um adjetivo pior que definisse aquilo. Uma característica marcante da série Alien é o cenário, sempre bem construído e detalhado, como se contasse uma história independente daquela que corre na tela, ou como se possuísse no pano de fundo uma trama própria. Se a nave Nostromo de Alien – o oitavo passageiro parece uma velha carreta espacial prestes a se desmantelar, típico de um veículo que já andou por muitos lugares e planetas no universo, com seus bancos de luzes, cabines apertadas, sistemas que vivem remendados e corredores mal iluminados, isso é mérito principalmente da direção de arte e dos cenários. Aqui, talvez não seja culpa da equipe que Anderson trouxe com ele a tiracolo do seu filme anterior, Resident Evil — o diretor de arte Richard Bridgland (também de Pandorum, um filme com DNA da série Alien), e a fotografia de David Johnson. Ambos juntam seus esforços para fazerem com que a Antártida pareça real dentro de um set de filmagem e a pirâmide, mal iluminada, soe como um lugar ameaçador cheio de armadilhas como um cenário de Indiana Jones. Anderson parece destruir tudo isso (e não é teoria, os filmes posteriores dele comprovariam sua inabilidade na direção). Assim, AVP acentua a cada minuto a falta de capacidade de Anderson em filmar aquilo que deveria valorizar com sua câmera (a câmera dentro da ação, o mistério do lugar e o suspense) e de grande incompetência de seu montador Alexander Berner (outro de Resident Evil, e nada que valha a pena mencionar no currículo anterior a este filme) em criar cenas de ação memoráveis ou ao menos decentes. As sequências de combate dos alienígenas são vergonhosas e sem nenhuma inspiração. E é, em virtude dos planos da câmera de Anderson, que o cenário de externas acaba soando tão inacreditável: é tão incômodo em sua superficialidade quanto ver a heroína, lutando com uma rainha alien em uma sequência mal montada, com roupas inapropriadas para o frio antártico... À noite. Incoerências a parte, é de doer na alma também a escolha dos personagens e atores, porque fica difícil escolher qual deles é o pior. Sanaa Lathan (a atriz Alexa Woods) é péssima e protagoniza uma das cenas mais risíveis já vistas no cinema — quando ela, depois de fazer aquela amizade básica e rápida com um predador para caçar alguns aliens, foge com o mesmo, agarrada em um tipo de trenó (!). A falta de algum ator ou atriz mais conhecido na produção (talvez todos eles tenham caído fora ao lerem o roteiro) para conduzir a trama só piora as coisas.

Por fim, Alien versus Predador custou 60 milhões de dólares, uma mixaria para os padrões de superproduções hollywoodianas — justificada pelo fato de que os produtores alegam que filmes das franquias de Alien e Predadores nunca atraíram muita gente ao cinema nem mesmo investidores, o que faz com que as produções deste tipo de filme custem relativamente pouco. Mas o filme alcançou quase três vezes mais nas bilheterias, deixando aquela sensação de que a ideia seria interessante e o público estaria disposto a pagar, desde que o projeto caísse em mãos mais competentes e tivesse o esmero das produções individuais dos personagens, rendendo algo realmente digno de nota.

TRAILER

BILHETERIA - 02 de Março a 04 de Março de 2012

2012-03-06T05:49:00.001-08:00

Filmes de maior Público no Brasil

FILME	EM CARTAZ	SEMANA	TOTAL
01 - Anjos da Noite 4 - O Despertar *	estreia	224.323	224.323
02 - Motoqueiro Fantasma *	3	200.566	1.872.805
03 - Cada um Tem a Gêmea que Merece *	4	145.011	1.640.606
04 - A Invenção de Hugo Cabret *	3	132.851	782.460
05 - Billi Pig *	estreia	81.904	81.904
06 - A Dama de Ferro *	3	75.941	507.182
07 - Poder Sem Limites *	estreia	74.976	74.976
08 - A Mulher de Preto *	2	73.827	300.062
09 - A Saga Molusco: Anoitecer	estreia	70.984	70.984
10 - O Artista *	4	44.129	220.433

* Filmes com crítica no blog, basta clicar no nome

O Pacto | Trailer Legendado

2012-03-06T00:00:00.000-08:00

TAYLOR KITSCH

2012-03-05T07:00:00.000-08:00

Nome: Taylor Kitsch

Natural: Canadá

Nascimento: 08/04/1981

PRÊMIOS

FILMES

2012 Savages (Savages)

2012 Battleship - Batalha dos Mares (Battleship)

2012 John Carter: Entre Dois Mundos (John Carter)

2010 Repórteres de Guerra (The Bang Bang Club)

2009 X-Men Origens: Wolverine (X-Men Origins: Wolverine)

2006 O Pacto (The Covenant)

2006 Serpentes a Bordo (Snakes on a Plane)

2006 Todas Contra John (John Tucker Must Die)

John Carter: Entre Dois Mundos | Trailer Legendado

2012-03-05T00:00:00.000-08:00

PÔSTERES NACIONAIS | OS VINGADORES

2012-03-04T08:57:00.001-08:00

PODER SEM LIMITES (Crítica)

2012-03-03T16:17:00.001-08:00

Por Kadu Silva

Edição Kadu Silva

A melhor produção de câmera subjetiva dos últimos anos

Se existe uma ideia manjada e até eu diria de certo modo saturada é a realização de filmes com a câmera na mão. Desde o sucesso da Bruxa de Blair que esse recurso vive sendo usado em varias produções cinematográficas, a maioria sem muita criatividade. Mas quando se imaginava que não iríamos ver mas nada de interessante nessa área és que surge esse filme Poder sem limites que apenas usa a câmera como forma de desenvolver a característica de um dos personagens centrais e acaba por dar um fôlego a mais para esse gênero que parecia "morto".

Na trama, Andrew (Dane DeHaan) é o adolescente "nerd" que tem uma mãe doente e um pai alcoólatra e tem como seu único "amigo" o seu primo Matt (Alex Russell) um dos mais populares no colégio, és que em uma festa Andrew, Matt e seu amigo Steve (Michael B. Jordan) encontram um túnel que estava emitindo um som estranho, eles acabam se aventurando nesse local e em contato com uma rocha azulada acaba por adquirir poderes. Tudo andava bem até que Andrew o introspectivo e tímido garoto se deixa tomar pelo poder que o torna seguro, sagaz e até queridinho entre os alunos da escola, dai em diante uma serie e acontecimentos transforma a vida dos três garotos profundamente.

O filme teve um custou 12 milhões e já rendeu 58 milhões. Foi realizado por dois novatos, ambos de 26 anos, que juntos escreveram a história. O diretor Josh Trank foi montador de vários filmes (Big Fan) e o roteirista Max Landis é filho do diretor John Landis (Lobisomem Americano em Londres).

O custo do filme se deve aos elaborados efeitos especiais, que surpreendem numa história que começa de forma modesta. E que com o passar da trama usa o senso de humor acido principalmente quando o trio fica mais unido e começa a aprontar, primeiro com sua força fora do comum, e depois em suas viagens aéreas (onde quase são atropelados por avião).

O mais interessante do longa é que ele levanta muitas questões relevantes como o bullying, o poder, a timidez, os dilemas da juventude, enfim são vários temas que aos poucos são introduzidos na narrativa, visto que a visão que temos do filme é da câmera de Andrew, o que aqui explica o pouco aprofundamento de algumas questões.

O diretor Josh Trank mostra, com muito realismo, a questão do deslumbramento juvenil ao lidar com uma novidade extraordinária. Diferente do que vemos nas histórias em quadrinhos, quem é que resistiria a usar uma visão de raios-X para olhar as garotas nuas no vestiário? Quem é que, se tivesse uma força descomunal, sairia para caçar bandidos ao invés de dar uma surra no valentão do colégio? Ou deixaria de exibir suas habilidades num festival de talentos para conquistar popularidade e simpatia dos colegas?

E vale destacar o bom roteiro de Max que mesmo com algumas falhas, consegue amarrar bem essa história criativa, e que busca na câmera subjetiva a forma para fazer sucesso sem deixar de lado os questionamentos já mencionados. O mais bem desenvolvido é o "poder" que como sabemos é uma grande arma quando estão em mãos despreparadas ou de alguém que durante toda a vida, mesmo que curta nessa caso, viveu sofrendo com rejeições na família e na escola.

Mesmo com todos esses acertos, ao meu ver o clímax final tornou-se um grande clichê, usando uma fábula de ficção científica misturada com fantasia para concluir a história, além de perder um pouco do impacto visual, visto que a câmera subjetiva que esta a todo momento no longa não poderia ser deixada de lado nesse momento e isso causou menos tensão que poderia frente ao verdadeiro duelo que estava diante do espectador.

Um erro que não é do filme, mas sim da distribuidora é a comunicação para vender o longa, acredito que seu potencial é enorme, mas diante do que estou observando não vai ter tanto sucesso aqui no Brasil como poderia.

Apesar de uma turma de novatos e sem caras conhecidas no elenco, o longa é sem dúvida uma das mais gostosas surpresas do ano, é um filme divertido, empolgante e que prende sua atenção do começo ao fim. O Ccine recomenda esse ótimo longa-metragem que depois da Bruxa de Blair é a melhor produção do gênero que chegou em cartaz.

DESTAQUE

Para os ótimos efeitos visuais que mesmo diante de uma câmera amadora conseguiu passar verdade em seu resultado final.

SINOPSE

Após ingerir uma substância misteriosa, três amigos são surpreendidos ao ganhar superpoderes. De início eles os usam para brincar com conhecidos, mas aos poucos ganham a sensação de impunidade e passam a realizar feitos maiores. Sentindo-se invulneráveis, eles ultrapassam qualquer limite quando uma pessoa é morta.

ELENCO

Dane DeHaan(Andrew Detmer)

AlexRussell (Matt Garetty)

Michael B.Jordan (Steve Montgomery)

DIREÇÃO

Josh Trank

FICHA TÉCNICA

Título Original: Chronicle

Gênero: Drama e Ficção científica

Duração: 1 hr 23min

Ano de lançamento: 2012

TRAILER

FILMES RELACIONADOS

Carrie, a Estranha - A Bruxa de Blair - Superman

ESTÃO DIZENDO: "Poder Sem Limites" é uma crônica da vida que merece ser visto. Não é um filme espetacular, mas certamente você não vai sair do cinema sendo a mesma pessoa. A crítica completa está disponível no site Cinepop

BILLI PIG (Crítica)

2012-03-03T13:57:00.001-08:00

Por Henrique Miura
Edição Kadu Silva

O crescimento da economia brasileira tem refletido no cinema com apoios e incentivos para a realização de filmes em múltiplos gêneros e espécies (espanta-me que o filme precise inserir uma constrangera cena exclusiva para mershandising – patético). Com mais recursos e apuro técnico, o cinema nacional tem conseguido se aproximar (em termos de tecnologia) de muitos cinemas de ponta do mundo – o que não necessariamente tem feito sua qualidade elevar (estamos muito aquém do cinema Argentino, por exemplo, que vive muito bem sem tantos recursos financeiros). Sinto falta ainda do cinema de olhar, de autor, de talento, de criatividade, de pensamento (acho que talento recente concretizado, temos a Laís Bodanzky e o José Padilha). Belmonte, diretor de “Billi Pig”, é um desses talentos promissores surgidos nos últimos anos que aparentou ter personalidade e formação cinematográfica ampla – por conta disso, é perceptível que a obra em si é uma tentativa muito válida e autentica: brincar (e se divertir) com o cinema feito no Brasil durante muitos anos. O grande problema é que não funciona, é difícil abraçar e comprar a idéia – e o que tinha tudo para ser uma obra divertidíssima, se perde na falta do que dizer, na falta de boas idéias – do por que existir.

Com uma quantidade exorbitante de personagens e atores consagrados que aparecem fazendo participação especial, “Billi Pig” não chega a ser confuso por conta disso, mas não consegue maquiar o quanto é desnecessário na criação e no desenvolvimento exagerado de muitos núcleos (coisa típica de Tv). Por exemplo, as melhores e mais engraçadas piadas do filme estão na funerária herdada e administrada pela Preta Gil (como atriz é ótima cantora e como cantora é ótima filha de ex-ministro), porém com uma tênue conexão com o restante da trama, acaba vendo seu vinculo totalmente arrebentado e irrelevante para os acontecimentos. Fico pensando em como algo tão sublinhado na tela tenha passado pela montagem, que não conseguiu perceber como aquilo estava descompassado e sem fluência com o restante da narrativa – por mais que havia uma peça daquele núcleo que tem relativa importância para o filme, que é a garota que se envolve com o padre.

O “Billi Pig” que dá origem ao título do filme é um porquinho rosa de cerâmica da esposa de Wanderley (Selton Mello, mais uma vez sendo... Selton Mello), dono de uma empresa fracassada de seguro que precisa urgentemente de dinheiro não só para pagar as dívidas, como também para manter o casamento. Quando a filha de um poderoso mafioso é baleada durante um concurso de beleza e entra em coma – Wanderley vê uma grande oportunidade de utilizar o golpista, imoral e oportunista padre milagreiro local (Milton Gonçalves, disparado o que existe de melhor no filme) para ganhar alguns trocados do mafioso. O grande problema é que o padre não faz nenhum milagre, e se o milagre não for feito, o acerto de contas será drástico para os salafrários. Desse fiapo de história o filme tenta criar gags irreverentes, extrovertidas, descompromissadas – onde a maioria delas, acaba não funcionando (existem dois números musicais, por exemplo, totalmente irrelevantes e pior, péssimos).

É difícil criticar Grazi Massafera no filme, pois o filme parece estar sempre sendo irônico com ela mesma, inclusive na melhor forma de ter um nome artístico. Em determinado nome do filme, ao realizar um teste, dizem que ela tem ótimos sobrenomes para uma artista, mas seu nome é péssimo para suas ambições (Marivalda). Em outro momento, sugere-se que ela será a partir de então Mari. Grazi é redução de Grazielli, que não funcionaria para a atriz. Fora que ela precisa “interpretar” uma péssima atriz, daquelas risíveis, e faz isso com perfeição – é realmente péssima. Mas bastou ela ser ela mesma? Ela fazendo uma atriz péssima, parece ela fazendo os personagens sérios que faz na televisão. Falando em televisão, em muitos momentos a linguagem visual do filme namora muito com a linguagem visual da televisão – quadros muito fechados, incontáveis longos closes somente nos rostos dos atores, e por aí vai.

Agora, pelo filme se chamar “Billi Pig” imaginávamos ao menos que o porquinho fosse um brilho no filme, fosse a cereja do bolo – que fosse importante, ou ao menos, que desempenhasse um papel chave na narrativa. Mas nada disso acontece e se tirá-lo o filme tem muito mais a ganhar do que a perder. O porquinho é praticamente uma síntese do filme: chato, sem graça e disfuncional.

SINOPSE

Marivalda (Grazi Massafera) sonha ser atriz e Wanderley (Selton Mello) é um corretor de seguros falido. Ela rotineiramente sonha com Billi, um porco de plástico que guarda desde a infância, até que um dia passa a conversar com ele. Em suas conversas com a dona, Billi a pressiona a largar Wanderley, alegando que ele não consegue lhe dar o luxo que merece. Marivalda resolve dar um ultimato ao marido, que fica desesperado em busca de algo que possa manter o casamento. Quando Tenório (Murilo Grossi), o braço direito do traficante Boca (Otávio Muller), procura o padre Roberval (Mílton Gonçalves), Wanderley tem uma grande ideia. Ele elabora um plano com o padre, que tem fama de milagreiro, para que possam enganar Boca, que está desesperado em busca de alguém que consiga fazer com que sua filha saia do coma.

FICHA TÉCNICA

Título Original: Billi Pig

Gênero: Comédia

Duração: 1 hr 35 min

Ano de lançamento: 2012

Direção: José Eduardo Belmonte

Atores: Grazielli Massafera, Milton Gonçalves, Preta Gil e mais

TRAILER

ANJOS DA NOITE – O DESPERTAR (Crítica)

2012-03-02T07:00:00.000-08:00

Por Kadu Silva

Edição Kadu Silva

Quase um jogo de vídeo game

Sei que esse é um filme super esperado pelos fãs da franquia, mas como não sou muito conhecedor de todos os longas-metragens, vou me ater somente a esse 4º filme.

Para começar o filme tem um grande mérito em posicionar o espectador a trama, pois logo de inicio acontece um clip mostrando o que aconteceu nos outros filmes o que ajuda a não deixar boiando uma pessoa que somente vai assistir a esse. Mas apesar desse acerto os diretores optaram por fazer um filme curto e de roteiro muito fraco e extremamente previsível.

Na trama, a guerreira vampira Selena (Kate Beckinsale) consegue se libertar de uma organização mal intencionada após 12 anos em cativeiro, onde se encontrava congelada. Após conseguir se libertar fica sabendo que tem uma filha que não é exatamente somente uma vampira. A partir desse momento, tem que se preparar para uma guerra entre espécies e essa organização.

Dirigido pelos suecos Måns Mårlind e Björn Stein o filme é o típico longa-metragem de ação, repleto de cenas de tirar o folego. Praticamente sem deixar o espectador respirar o filme tem uma trama frenética e cheia de efeitos visuais, algumas fracas, mas que passam despercebidas.

Os diretores mostram um bom domínio no riscado, mas o roteiro fraco do Len Wiseman acaba por tornar o filme muito aquém do esperado. A história além de ser previsível, é curta no desenrolar, tudo parece que acontece muito rápido e que acaba por não desenvolver como deveria os personagens, sem contar as várias falhas da trama que não são bem explicadas.

A atriz Kate Beckinsale que faz a protagonista consegue segurar bem o seu personagem, mostrando ótima habilidade nas difíceis cenas de ação, como era de se esperar peca um pouco nas cenas mais dramáticas. Seu corpo e principalmente seu belo rosto são alvos de constantes closes por parte dos diretores, tornando um dos grandes atrativos para muitos.

O restante do elenco praticamente são figurantes e se saem bem no geral, sem um grande destaque, talvez a que mais vai causar admiração é a filha da protagonista.

Se você gosta de vídeo game de aventura e ação e ainda tem dúvida se deve assistir esse filme, eu diria que ele foi feito para você, pois a trama lembra muito esse tipo de jogo, várias fases para matar um exercito de “monstros” e assim passar de fase e o chefão no final para salvar o jogo, que como se vê aqui, terá continuação.

Apesar das grandes falhas apontas o Ccine recomenda o filme que faz bem o que se propõe, divertir e causar um bom impacto visual, para quem espera algo mais profundo o melhor é escolher outro filme em cartaz, fica a dica.

DESTAQUE

A fotografia chama atenção por manter o filme sempre no clima sombrio tanto pelas cores, iluminação como pelas angulações de câmera escolhidas, nada fora de série, mas ajuda bem na proposta.

SINOPSE

Após acordar de um coma de mais de 10 anos, Selene vê que o mundo mudou muito desde que "apagou". Os humanos descobriram a existência dos vampiros e lobisomens e passaram a caçar essas raças. No meio da eterna disputa, descobre que possui uma filha adolescente que é metade vampira e metade lobisomem, que precisará de sua ajuda.

ELENCO

KateBeckinsale (Selene)

Stephen Rea(Jacob)

MichaelEaly (Sebastian)

DIREÇÃO

Måns Mårlind e Björn Stein

FICHA TÉCNICA

Título Original: Underworld : Awakening

Gênero: Ação, Fantasia e Terror

Duração: 1 hr 15min

Ano de lançamento: 2012

TRAILER

FILMES RELACIONADOS

Anjos da Noite - Underworld, Anjos da Noite - A Evolução e Anjos da Noite - A Rebelião.

ESTÃO DIZENDO: A série ainda é a melhor em se tratando de vampiros nos tempos modernos. Com efeitos melhorados em comparação aos outros filmes, ajudam a manter a o clima de ação frenético do filme. As lutas contra os Lycans estão ótimas, destaque para a sequência da rodovia e a batalha no covil dos vampiros. (Cinema Série)

DRIVE (Crítica)

2012-03-02T05:20:00.000-08:00

Por Henrique Miura
Edição Kadu Silva

Muitos filmes tornam-se ícones ou ganham notoriedade icônica após muitos/alguns anos de seus lançamentos. Seja por uma frase (exemplo: “Are you talking to me? You talking to me?”, memorável passagem do clássico absoluto Taxi Driver, de Martin Scorsese), ou seja por uma imagem (exemplo: macaco joga o osso para cima e temos uma passagem de tempo para o futuro, cena icônica de “2001 – Uma odisséia no Espaço”, do lendário Stanley Kubrick”). E DRIVE, filme dirigido pelo pouco conhecido Nicolas Winding Refn, além de ter nascido como um Cult instantâneo (certamente geração a geração de cinéfilo irá descobri-lo garimpando informações de cinema), também tem passagens que já viraram referência: Ryan Gosling, o motorista, de costas para a câmera, que enfatiza sua jaqueta, com um enorme escorpião em suas costas.

Abrindo mão de qualquer mistério maior do escorpião nas costas, o roteiro em determinando momento canta a charada já capitada anteriormente por quem tem conhecimentos de parábolas. A parábola em questão é a do Sapo e o Escorpião. Nesta parábola, de origem Africana, um sapo é questionado por um escorpião sobre uma travessia na água,- o sapo, prontamente desconfiado, diz que não, pois levará uma ferroada que o deixará paralisado e afundará. Ora, diz o Escorpião, se você afundar, afundarei também. Entendendo esta lógica, o sapo acaba conduzindo o Escorpião, e para sua surpresa, acaba levando uma ferroada fatal;- e em seus últimos suspiros, questiona o Escorpião com um sussurrante “Por quê?”, e singelamente retribui com a frase: “Por que sou um escorpião e essa é a minha natureza”.

DRIVE é muito sobre está parábola, porém transferindo tudo para a carga da natureza humana. O motorista (em uma irretocável atuação de Gosling) não possui uma vida das mais contagiantes, e vive como servente de criminosos nas fugas e dublê de atores em cenas perigosas envolvendo automóveis. Um raro momento de alegria em sua vida acontece quando conhece Irene (Carey Mulligan) e seu filho, que passam a ter uma enorme importância em sua vida – eles preenchem o vazio existencial do personagem. Aqui surge o primeiro paralelo que podemos fazer com Taxi Driver: a relação se assemelha muito com a relação de De Niro e Foster. Outro paralelo que pode-se abrir, são as ruas escuras e soturnas, trocando Nova York por Los Angeles; todo o repudio de Travis no filme de Scorsese, é da mesma natureza da repulsa do Motorista em DRIVE.

Existem outros paralelos que podemos abrir com TAXI DRIVER, e acho que não são meras coincidências. Não conheço profundamente o cinema de Refn, mas Scorsese é uma de suas influências claras; a violência gráfica (quando Rosling é surpreendido em um quarto e vira uma verdadeira carnificina, temos algo parecidíssimo que acontece com Travis na TAXI DRIVER, e que também termina com um banho de sangue), a marginalidade (é notório a falta de encaixe do protagonista naquela sociedade, naquele mundo), a mente perturbada (os Travis e o motorista são duas figuras recatadas, mas absolutamente agressivas), além é claro, da máfia, algo sublinhado no cinema de Scorsese. Poderia ainda fazer inúmeros outros exemplos, como aprofundar na analise da relação grandiosa de protecionismo do protagonista com a figura da mulher frágil.

Muito se elogia a trilha sonora do filme, que em três momentos, vira praticamente um videoclipe, que me remeteu muito ao cinema feito com genialidade por Wong Kar-Wai, um slow-motion muito elegante, refinado, com movimentações que sincronizam com a trilha sonora. E se fosse sintetizar o filme, diria que ele é uma mistura pop do cinema de marginalidade feito por Scorsese com um refinamento e sobriedade oriental, do cinema feito por Wong Kar-Wai. Outro elemento técnico para ser frisado é a fotografia, que como tem muitas cenas noturnas (um dos maiores desafios de um fotografo é ter soluções para iluminar as ruas em cenas noturnas), consegue registros de profunda beleza.

SINOPSE

Durante o dia um motorista (Ryan Gosling) trabalha como mecânico e dublê em filmes de Hollywood, enquanto que à noite ele presta serviços para a máfia. Ele é vizinho de Irene (Carey Mulligan), que é casada e tem um filho com Standard (Oscar Isaac). Percebendo a situação difícil de Standard, que saiu há pouco tempo da prisão, o motorista o convida para realizar um assalto. Só que o golpe dá errado, o que coloca em risco as vidas do motorista, Irene e seu filho.

FICHA TÉCNICA

Título Original: Drive

Gênero: Drama

Duração: 1 hr 40 min

Ano de lançamento: 2012

Site oficial: http://www.drive-movie.com

Direção: Nicolas Winding Refn

Atores: Ryan Gosling, Carey Mulligan, Bryan Cranston, Albert Brooks

TRAILER

FILMES EM CARTAZ (02/03/2012)

2012-03-02T00:00:00.000-08:00

Anjos da noite – O despertar

SINOPSE

Crítica e Trailer (Clique aqui)

Billi Pig

SINOPSE

Trailer (Clique aqui)

Drive

SINOPSE

Crítica e Trailer (Clique aqui)

Poder sem limites

SINOPSE

Trailer (Clique aqui)

Minha felicidade

SINOPSE

Um jovem caminhoneiro se perde no campo russo. Ele acaba conhecendo um senhor infeliz, prostituta menor de idade, um estranho cigano e policiais corruptos. Quanto mais ele tenta encontrar seu caminho de volta à civilização, mais descobre que a força e instintos de sobrevivência substituíram qualquer forma de humanidade.

Trailer (Clique aqui)

O porto

SINOPSE

Marcel Marx (André Wilms) é um escritor conhecido pela boemia. Por vontade própria ele resolveu se exilar na cidade portuária de Havre, onde passa a trabalhar como engraxate de sapatos. A nova função faz com que Marcel se sinta mais próximo das pessoas, já que pode servi-las. Ele leva uma vida tranquila ao lado da esposa Arletty (Kati Outinem), até o dia em que uma criança negra vinda da África surge em sua vida. Paralelamente fica doente, o que faz com que Marcel mais uma vez tenha que lidar com a indiferença humana.

Trailer (Clique aqui)

A saga Molusco: Anoitecer

SINOPSE

Bella (Heather Ann Davis) está se preparando para o aguardado casamento com Edward (Eric Callero), um vampiro branquelo. Não demora muito para ela suspeitar que esteja grávida dele. Paralelamente, precisa lidar com as trapalhadas de Jacob (Frank Pacheco), seu melhor amigo, que não para de comer e teima em não largar do pé de Bella.

Trailer (Clique aqui)

Na próxima semana: John Carter, Cairo 678, O grande milagre, Habemus Papam, As neves do Kilimanjaro, O pacto e W.E.- O romance do século. Sujeito a alterações por parte das distribuidoras.

2012 (Crítica) Na estante

2012-03-01T07:00:00.002-08:00

Ficha Técnica

Título Original: 2012

Ano do lançamento: 2009

Produção: EUA e Canadá

Gênero: Aventura

Direção: Roland Emmerich

Roteiro: Harald Kloser e Roland Emmerich

Sinopse: Em 2008, o presidente americano (Danny Glover) convoca uma reunião de emergência com as principais potências para conversar sobre um grande perigo para a humanidade. Os anos passam e, com a proximidade de 2012, as autoridades decidem que não é mais possível conter o perigo eminente que pode significar o fim do mundo. Com isso, colocam em prática o plano iniciado anos atrás, sob o comando dos cientistas Adrian Helmsley (Chiwetel Ejiofor) e Carl Anheuser (Oliver Platt). Enquanto isso, o escritor Jackson Curtis (John Cusack) leva sua vida de marido separado, pai de dois filhos, como motorista de limusine e tendo que aturar as reclamações da ex esposa (Amanda Peet). Ao levar os filhos para passear, ele descobre os primeiros sintomas da destruição do planeta.

Por Emanoel Achiles

Em 2012, o diretor Roland Emmerich oferece aos espectadores uma aula de como destruir um planeta, em uma superprodução de 260 milhões de dólares recheada de efeitos especiais de primeira linha —, mas completamente vazia de emoção, com atores em péssimas interpretações, personagens insossos e uma trama incrivelmente ordinária e involuntariamente cômica.

Roland Emmerich, aliás, é um PhD em destruir o mundo. Desde Independence Day, em 1996, passando pelo terrível (no pior sentido da palavra) Godzilla (1998), ou no tematicamente interessante O dia depois do amanhã (2004), o alemão parece cada vez mais superar a concorrência no quesito filmes catástrofes. O que há de comum, no entanto, entre esses filmes além do esmero técnico é a falta de profundidade de seus personagens e algumas situações constrangedoras — “ridículas” talvez seja uma palavra mais adequada — que seus roteiros acabam criando, seja involuntariamente ou não.

Em 2012, o fiapo de trama joga John Cusack para interpretar um pai divorciado, escritor e motorista de limusine, que está em processo de reaproximação dos filhos. Amanda Peet é sua ex-mulher, agora envolvida com um cirurgião plástico, mas ainda assim conectada “emocionalmente” ao ex-marido. É o básico. Como subtrama, segue a parte política, em que a destruição se anuncia para cientistas e políticos, entre eles o presidente (negro, como Obama?) dos Estados Unidos (Danny Glover, que já teve dias melhores no cinema e agora sobrevive do que aparecer pela frente), que têm nas mãos o destino de toda a população do planeta e que nada poderão fazer para impedi-la, a não ser a construção de arcas pelos quais nem todos podem pagar.

Há ainda, um subtexto completamente inexplorado dentro do filme, que acaba passando batido por todo o tempo — longo, por sinal, são 158 minutos — da produção. A questão religiosa. O filme pontua uma coisa ali (a construção das arcas, o nome do filho do personagem, completamente conectados com a história de Noé), outra ali (uma cena de pessoas reunidas em uma oração na Capela Sistina, no Vaticano, rapidamente mortas pelo desabamento da mesma), mas não explora a visão “religiosa” da catástrofe, o que poderia render um texto crítico e profundo. Para Emmerich não importa investigar este drama e nem tornar o filme um pouco mais inteligente, interessa mais salientar, o tempo todo, a destruição que está por vir.

Se a personagem de Peet está com seu marido discutindo relação no supermercado, vem o terremoto e subjetivamente — e fisicamente — separa os dois. Se um dos personagens está num navio tentando falar com o filho, vem a catástrofe e o leva. Não vamos citar a cena em que uma personagem secundária se afoga dentro de um compartimento ou da morte do russo — os russos são apenas caricaturas ocas no filme — que se sacrifica para salvar seus filhos. Não há tempo para desenvolver personagens, porque Emmerich tem um portfolio de efeitos para usar. Isso para não citar os personagens que entram e saem sem dizerem muito e outros que deveriam ter papel importante na trama – como o piloto que se sacrifica pousando um gigantesco Antonov e que o roteiro se encarrega de eliminar logo depois do pouso.

Se o roteiro não explora a dimensão dos personagens (todos eles são unidimensionais), na categoria atuação, não dá para saber quem está pior no elenco. John Cusack é a escolha mais inusitada do filme. O herói é uma grande piada em escala apocalíptica, pois quase é engolido por um terremoto, quase é queimado por um vulcão, quase é arrastado por uma onda gigante, quase morre em acidentes de aviões (sim, são dois), e pasmem — parece rir em algumas cenas. Amanda Peet é incapaz de fazer uma expressão convincente de pânico; Harrelson, ator competente, especialista em tipos estranhos, já teve seus dias de glória (embora sirva de personagem “didático” para explicar em uma animação o que está acontecendo com o mundo, porque o roteiro sugere que o espectador seja burro) e Thandie Newton, dentre outros, passeando de enfeite de cenário.

Tudo vai acontecendo, se sucedendo e sendo jogado para o espectador na velocidade de um prédio implodindo. Tudo é correria, situações inverossímeis que criam no espectador risos involuntários — impossível não rir com Cusack sendo engolido pela terra para depois reaparecer e dar uma corrida para pegar o avião em movimento; idem com a sequência em que ele se torna o maior motorista do planeta e da história da humanidade pilotando uma limusine em alta velocidade no meio de uma catástrofe, para depois ver o atual marido de sua esposa pilotar um avião bimotor e mais tarde o gigantesco Antonov como se fosse um piloto com anos de experiência (quando o mesmo afirma que só teve duas aulas no comando de um avião). Chega a ser, por vezes, impossível não tratar o filme como uma paródia milionária dos filmes catástrofes, produzidos por Hollywood.

Se nada disso funciona, ao menos Emmerich sabe como filmar o caos do planeta, fazendo com que o espectador visualize cada prédio caindo, cada ponte cedendo, cada bola de fogo expelindo de um vulcão em erupção — e toma mais gosto a cada cena, como se criasse a cada momento uma destruição nova para torrar os milhões de dólares investidos na produção. É terremoto, tsunami, vulcão, neve, avião subindo, descendo, caindo e uma enxurrada de destruição, tudo cortesia de uma série de empresas de efeitos especiais que incluem a Digital Domain (de Cartas de Iwo Jima, A máquina do tempo, Titanic, dentre outros), que aqui criou uma sequência personalizada para a destruição monumental de Los Angeles, a qual faz entrar em colapso centenas de prédios de uma única vez, uma das melhores e principais sequências do filme; e da Sony Imageworks, responsável por filmes como Homem aranha 1 e 2.

Filmes catástrofes quase sempre são garantia de gordas bilheterias e são cada vez mais possíveis graças ao avanço das técnicas empregadas e a orçamentos inchados. Mas, como em 2012, nem todos eles trazem roteiros bem trabalhados e personagens interessantes, como era recorrente na década de 70, dos quais de destacam filmes como Aeroporto (1970), O destino do Poseidon (1972), Inferno na Torre (1974) e Terremoto (1974) ou ainda mais recentemente, com filmes pipocas tal qual Twister (1996) e Mar em fúria (2000). De qualquer forma, o filme de Emmerich mostrou o apelo que esse tipo de filme tem no mundo e se tornou um dos maiores sucessos da história do cinema, arrecadando extraordinários 770 milhões de dólares —, mesmo não se pagando nos EUA, onde não atingiu seu custo de produção.

Se você procura um desfile de técnica, quer dar risadas com situações absurdas e se empolga em ver caos e destruição — em detrimento de um tratamento melhor além do visual e de um filme que ofereça mais do que efeitos especiais —, 2012 certamente lhe agradará como uma sessão da tarde. Se quiser algo mais, com o perdão do trocadilho infame, fuja para as colinas.

TRAILER

ROMAN POLANSKI

2012-03-01T05:30:00.000-08:00

Nome: Roman Liebling

Natural de: Paris, França

Nascimento: 08/01/1933

CURIOSIDADES

- Sua ex-mulher Sharon Tate foi assassinada de forma brutal em 9 de agosto de 1969 por Charles Manson e integrantes do culto o qual liderava. Quando foi morta, Sharon está grávida de 8 meses do qual seria seu primeiro filho com Roman Polanski;

- Não vai aos Estados Unidos desde 1978, por ter sido condenado por estupro de uma garota de 13 anos de idade. Desde então Roman Polanski vive na Europa, para não ser preso.

PRÊMIOS

OSCAR

Ganhou

2002 - Melhor Diretor - O Pianista

Indicações

1979 - Melhor Diretor - Tess

1974 - Melhor Diretor - Chinatown

1968 - Melhor Roteiro Adaptado - O Bebê de Rosemary

GLOBO DE OURO

Ganhou

1974 - Melhor Diretor - Chinatown

Indicações

1979 - Melhor Diretor - Tess

1968 - Melhor Roteiro - O Bebê de Rosemary

BAFTA

Indicação

1974 - Melhor Diretor - Chinatown

CÉSAR

Ganhou

1979 - Melhor Filme - Tess

1979 - Melhor Diretor - Tess

2010 - Melhor Diretor - O Escritor Fantasma

INDEPENDENT SPIRIT AWARDS

Indicação

1994 - Melhor Diretor - A Morte e a Donzela

EUROPEAN FILM AWARDS

Ganhou

2010 - Melhor Diretor - O Escritor Fantasma

PRÊMIO BODIL

Ganhou

1974 - Melhor Filme Americano - Chinatown

FESTIVAL DE BERLIM

Ganhou

1966 - Urso de Ouro - Armadilha do Destino

1965 - Prêmio Especial do Júri - Repulsa ao Sexo

1965 - Prêmio FIPRESCI - Repulsa ao Sexo

2010 - Melhor Diretor - O Escritor Fantasma

FESTIVAL DE VENEZA

Ganhou

1962 - Prêmio FIPRESCI - Nóz w wodzie

FILMES

2012 Deus da Carnificina (Carnage)

2010 O Escritor Fantasma (The Ghost Writer)

2007 Cada Um Com Seu Cinema (Chacun Son Cinéma ou Ce Petit Coup au Coeur Quand la Lumière S'Éteint et que le Film Commence)

2005 Oliver Twist (Oliver Twist)

2002 O Pianista (Le Pianiste)

1999 O Último Portal (The Ninth Gate)

1994 A Morte e a Donzela (Death and the Maiden)

1992 Lua de Fel (Bitter Moon)

1988 Busca Frenética (Frantic)

1986 Piratas (Pirates)

1979 Tess (Tess)

1976 O Inquilino (Le Locataire)

1974 Chinatown (Chinatown)

1973 Que? (Che?)

1971 Macbeth (Macbeth)

1968 O Bebê de Rosemary (Rosemary's Baby)

1967 A Dança dos Vampiros (The Fearless Vampire Killers)

1966 Armadilha do Destino (Cul-de-Sac)

1965 Repulsa ao Sexo (Repulsion)

1964 Les plus belles escroqueries du monde

1962 A Faca na Água (Nóz w wodzie)

Anjos da Noite - O Despertar | Trailer Legendado

2012-03-01T00:00:00.000-08:00

CASSINO (Crítica) Na estante

2012-02-29T07:00:00.002-08:00

Ficha Técnica

Título Original: Casino

Ano do lançamento: 1995

Produção: EUA

Gênero: Policial

Direção: Martin Scorsese

Roteiro: Nicholas Pileggi e Martin Scorsese, baseado em livro de Nicholas Pileggi

Sinopse: Através de três personagens básicos: um diretor de cassino (Robert De Niro) com um passado comprometedor; uma prostituta de alta classe (Sharon Stone), que dominava a todos, menos o seu cafetão; e um gângster (Joe Pesci), que tomava conta do diretor do cassino e passa gradativamente, a seguir os passos dela, é criado um painel de Las Vegas dos anos 70, quando a Máfia controlava o jogo, até o gradual surgimento das grandes corporações, que ficaram no lugar das quadrilhas e transformaram a cidade em uma Disneylândia.

Por Emanoel Achiles

O filme Cassino começa com uma cena antológica: uma explosão de um carro que lança para o alto o corpo de Ace (Robert De Niro) ao som de Paixão segundo São Mateus, de Bach. A escolha da composição (ela representa o sofrimento e morte de Jesus Cristo) não poderia ser mais irônica quando somos levados a conhecer a história deste homem até ali.

Baseado em uma história real contada no livro Cassino, amor e honra em Las Vegas, de Nicholas Pileggi, Cassino vai nos mostrar a ascensão e queda da máfia dos cassinos na cidade iluminada por neons, num período que vai dos anos 60 aos 80. Robert De Niro, em mais uma atuação brilhante, interpreta Sam “Ace”, que trabalha para a máfia e é convidado a dirigir um cassino em Las Vegas. Ele consegue fazer os lucros explodirem com seus métodos de trabalho, mas os problemas surgem quando ele se apaixona e se casa com a ex-prostituta vigarista Ginger (Sharon Stone, que merece um texto a parte) e quando encontra o gangster interpretado por Joe Pesci.

Mesmo ciente de que Ginger não o ama, Ace tenta construir uma família ao lado dela, mas esta não consegue se desvincular dos trambiques e de seu antigo ex-namorado, outro vigarista (James Woods) — e sua paixão é abalada pelo desejo incontrolável da mulher por dinheiro e por poder. Ambições, traições, vaidades, poder, tudo começa a se misturar e estourar em Cassino numa espiral de loucura e violência.

É aqui que entra uma cartada inesperada e fulminante da produção: Sharon Stone, que se mostrou uma das melhores escolhas femininas da carreira do diretor e resultou no melhor trabalho dramático da carreira da atriz. Sharon, cuja carreira estourou como a loira fatal sem calcinhas dona da cruzada de pernas mais letal do cinema em Instinto Selvagem estava relegada a trabalhos medíocres como no horrível Invasão de Privacidade e no insosso Intersection.

Na época, a crítica não acreditava que ela fosse capaz de interpretar tipos diferentes do que estava habituada a fazer no cinema — o de mulheres sensuais, como a loira estonteante de O vingador do futuro. Sharon estava destinada a desaparecer em papéis cada vez mais insignificantes. Ciente de que precisava de um personagem que a alçasse a grande atriz dramática, Sharon agarrou com todas as forças a oportunidade — dizem que a primeira pessoa pensada para o papel era Madonna — e o resultado é simplesmente soberbo.

A crítica foi unanime: Sharon tem aqui a oportunidade de se mostrar uma atriz maiúscula e, com força, consciência e garra, rouba todas as atenções do filme para si ao interpretar a drogada ex-prostituta interesseira que não consegue mudar de vida, mesmo com as oportunidades, e tem sua vida completamente destruída pelo álcool e pelas drogas. Da glória a decadência, tal qual os cassinos de Las Vegas, Sharon consegue passar todas as camadas de sua personagem, ora completamente ensandecida de drogas, cheia de pose, mas ora uma mulher vulnerável, completamente carente de afeto e ávida por prazeres materiais.

Por seu desempenho formidável, que lhe deu uma costela quebrada na cena em que é atirada da escada, Sharon ganhou Globo de Ouro e foi indicada ao Oscar (perdeu para Susan Sarandon em Os últimos passos de um homem). Não levou, mas a personagem Ginger é um marco em sua carreira cinematográfica e, pena, não evitou um destino diferente do ostracismo. Ela protagoniza algumas das melhores cenas do filme: quando Ginger vai à casa de Sam, e escandalosamente provoca uma confusão, roubando a chave do cofre do banco — Sharon dá um show de interpretação. Ela rouba algumas das economias que estavam guardadas no banco, mas em seguida é presa por agentes do FBI.

Cassino foi esnobado pelas premiações. Não é o melhor do diretor, mas faz parte do grupo de filmes dele que merece ser visto. Na época, Scorsese chegou a definir seu trabalho como sendo “um faroeste moderno em uma região corrupta e desolada”. Pode ser. A brutalidade com que as mortes acontecem permeia o filme como um faroeste, mas vai de encontro ao charme e aos vaidosos mafiosos, donos dos poderosos e lucrativos cassinos, num contraste salientado não só pelas imagens mas também pela trilha sonora (a exemplo da trilha da cena inicial) — um trunfo que ajudam a sustentar o longo filme de 2 horas e 57 minutos.

Por fim, a maneira crua como ele filma (o filme foi criticado por sua violência e cenas foram cortadas da edição final para amenizar o impacto), tem no roteiro, na interpretação de seus atores, na direção de arte e na fotografia a reprodução fiel do glamour, do luxo, da beleza e do declínio dessas verdadeiras máquinas de dinheiro.

TRAILER

PRÊMIOS

OSCAR

Indicação: Melhor Atriz - Sharon Stone

GLOBO DE OURO

Ganhou: Atriz - Drama - Sharon Stone

Indicação: Melhor Diretor - Martin Scorsese

HOMENAGEM Martin Scorsese (Melhores cenas)

2012-02-29T05:30:00.000-08:00

Billi Pig | Trailer

2012-02-29T00:00:00.000-08:00

ALIEN - A RESSURREIÇÃO (Crítica) Na estante

2012-02-28T07:00:00.000-08:00

Ficha Técnica

Título Original: Resurrection

Ano do lançamento: 1997

Produção: EUA

Gênero: Ficção Científica

Direção: Jean-Pierre Jeunet

Roteiro: Joss Whedon

Sinopse: A tenente Ripley (Sigourney Weaver) se matou para não permitir que o governo levasse um monstruoso alienígena para o nosso planeta. Mas, após 200 anos, em uma nave espacial, ela acorda e descobre que cientistas a ressuscitaram através da clonagem, conseguiram com sucesso retirar a rainha dos alienígenas de seu corpo. A intenção ter um exército de aliens que, acreditam eles, possam controlar. Durante este processo o DNA da tenente misturado com o da rainha e ela desenvolve algumas características alienígenas. Os pesquisadores começam a criar os aliens, mas estes logo escapam, provocando terror e morte. Como a nave está rumando para a Terra, eles precisam ser detidos o quanto antes, principalmente pelo fato da rainha ter tido uma nova ninhada, que poderá significar o fim dos humanos. Neste contexto, apenas a tenente e alguns contrabandistas, que se encontram na nave naquele momento, podem impedir esta tragédia.

Por Emanoel Achiles

200 anos: vida nova, velhos problemas.

“Alien a ressurreição” pode ser considerado o filme que arruinou definitivamente a franquia nos cinemas (considero que o personagem “Alien” foi sepultado sozinho com as aberrações cinematográficas Alien versus Predador 1 e 2). Mas apesar da fragilidade e da falta de mistério e de originalidade com que é conduzido pelo francês Jean-Pierre Jeunet, de O fabuloso destino de Amelie Poulain, o filme tem bons momentos de ação e um interessante subtexto.

Duzentos anos após os eventos do terceiro filme, depois de se sacrificar pelo bem da humanidade em Alien³, a tenente Ellen Ripley (Sigourney Weaver) ressurge após ser clonada e com ela velhos problemas são trazidos à tona. Grande parte do que mantém o filme acima da média e de produções similares é justamente suas simbologias e, assim como nos filmes anteriores da série, Alien A ressurreição não foge a regra. A começar pelo sugestivo título.

A personagem de Ripley “ressuscita” — não através de poder divino, mas pelos dons da ciência e da clonagem — e, após diversas tentativas fracassadas renasce carregando em sua genética parte do DNA alienígena (que ela carregou por estar grávida de um alien no filme anterior). Em virtude disso, Ripley adquire certos comportamentos e características alienígenas, como faro e instinto apurado, além de sangue ácido. Só que com ela também é clonada a rainha alien, que se desenvolve com características de DNA humano (ao invés de colocar ovos, ela “dá a luz” ao filho, numa das cenas mais asquerosas da série). Os cientistas querem os aliens para o departamento bélico da empresa o que, claro, vai dar errado, sublinhando o fato de que com os poderes proporcionados pela ciência surgem também responsabilidades e atitudes nas mesmas proporções.

A abordagem do roteiro sobre Ripley é, assim, o que mais chama atenção e a melhor sacada do filme. Alien é um tipo de antítese do ser humano (como o personagem Ash salienta antes de ser incinerado no romance Alien, de Alan Dean Foster, “um ser desprovido de culpa ou remorso, seu único propósito é reproduzir sua própria espécie, e cumpre essa tarefa com eficácia suprema.”). Ele não possui sentimentos, emoções, medo, ele não mata por prazer. Não parece haver nada que o vincule a humanidade; é um parasita, resistente a todo tipo de ambiente, apenas com a natureza instintiva de procriar e perpetuar sua espécie em detrimento de outras.

Ripley então adquire parte dessa hostil natureza através do código genético. Por isso, não é uma heroína ou personagem típica de um filme de ação qualquer, e tanto o diretor quanto Sigourney Weaver conseguem compreender muito bem a psicologia da personagem, seja na forma como Weaver é enquadrada pela câmera, seja nos atos, nos gestos ou nas feições: Ripley agora representa a perda de um sentimento presente no ser humano que lhe conduzia a autopreservação: o medo. Com o DNA alien, Ripley se torna uma personagem mais complexa e instintiva, onde humanidade e animalidade rivalizam dentro de si e geram desconfiança por todos ao redor. Qual das metades prevalecerá ao final: a sua metade humana ou a alienígena?

Há piedade nela — ela se emociona ao ver seus clones defeituosos, os sete primeiros, que não vingaram, e decide por acabar com o sofrimento de um deles, numa das cenas antológicas da série — e Ripley então vai ao encontro da Rainha Alienígena carregada nos braços pelos aliens, sem medo da mesma. Ela recebe, como se fosse filho dela, a criatura híbrida que a rainha alien deu a luz — um alien com feições humanas que destrói a própria mãe por não reconhecê-la como tal (o subtexto da responsabilidade, poder e rejeição da maternidade está presente em todos os filmes) —, mas o seu sentimento de humanidade ainda está lá e Ripley entende, tal qual nos outros filmes, que aquilo precisa ser exterminado por mais dolorido que isso seja (só que ela chora ao matá-lo como se estivesse sacrificando o seu próprio filho). Essa complexidade da personagem é a parte mais linear e intrigante da produção.

Na parte técnica, o fotógrafo Dharius Khondji, (de Seven, Beleza Roubada, e Evita) recria a atmosfera da nave USM Auriga, com seus corredores infinitos e obscuros, típicos da série, e investe conceitos de iluminação interessantes e originais — como na sequência submersa da cozinha ou na nave em que a tripulação acaba fugindo para a Terra. A direção de arte de Andrew Neskoromny (Impacto Profundo (1998), Missão Marte (2000) e mais recentemente, Velozes e furiosos 5: Operação Rio (2011) não faz feio e os cenários da produção jogam a favor, mantendo a qualidade da série com a construção de sets gigantes (a nave alterna entre corredores estreitos e largos, limpos ou sujos, grandes e iluminados, com seus cômodos pequenos e sombrios, celas, câmaras e centros laboratoriais) cada qual com suas peculiaridades. Os efeitos entram na era da computação gráfica, mas deixam muitas vezes a desejar. Nada, no entanto, que jogue contra o conjunto.

E porque o filme não deu certo como deveria?

Por vários motivos. A trilha sonora, de John Frizzel, é apática. Sua composição não alcança nunca o tom épico que um filme como ele pede e parece fora de compasso. E se o diretor e a atriz capricharam no desenvolvimento da personalidade de Ripley e o roteiro a trouxe de volta da morte usando um tema que até hoje não perdeu sua atualidade, esquece-se de todos os personagens de suporte.

Winona Ryder surge linda e completamente perdida em meio a uma ação que parece mal elaborada, fazendo o papel de Call, uma integrante da tripulação de um cargueiro que contrabandeia carga humana para as experiências cientificas envolvendo os aliens. Mais tarde, Call se revela um androide sofisticado — mas que não atinge nem o carisma e eficiência do androide anterior, Bishop, nem a complexidade lógica e a personalidade misteriosa do androide do primeiro filme, Ash. Os outros atores surgem em cena (Ron Perlman, Brad Dourif incluídos) e, dadas as limitações de personagens e as artísticas do elenco de suporte, não despertam interesse e são eliminados, um a um, sem que se tenha importância ou se preocupemos com eles.

Há ainda a questão dos diálogos, que em momentos errados (alguns decisivos na trama) provocam risos involuntários de quem assiste o longa. Povoam o filme piadas fora de compasso, como em uma cena deletada em que aparece a informação que o “Wal Mart” comprou a empresa falida Weyland Yutani, sequências mal construídas, como a tomada da Auriga pelos contrabandistas e a fuga das criaturas pela nave.

Joss Whedon, o roteirista [criador de Buffy, a caça vampiros e creditado também no sucesso Toy Story, mas envolvido em fracassos como Titan A.E. (2000), Waterworld o segredo das águas (1996), Atlantis – o reino perdido (2001) e Serenity (2005)], não explora a subtrama nem dá substância a ela, criando algo completamente raso. Quando o filme passou a ser criticado massivamente, Whedon saiu em defesa de seu roteiro, afirmando que a culpa do filme não ter sido o sucesso esperado era da visão de seu diretor — esquecendo-se de mencionar que a base de sua visão, no entanto, é o texto que ele tem em mãos. Por outro lado, sobressaindo-se com uma cena aqui e outra ali, Pierre dirige o filme com marasmo, tal qual um diretor escolhido erroneamente para a missão, e tenta fazer uma mistura de todos os filmes anteriores, como se fizesse a produção sem conhecer a fundo o material e deixando-o sem personalidade alguma.

Parte da sensação de decréscimo do filme também vem do fato de que, nos filmes anteriores, as criaturas alienígenas eram mostradas como seres misteriosos, a contraluz, obscuros, cuja natureza desconhecida ajudava a compor o próprio cenário de horror para os seres humanos. Em A ressurreição, tudo é explícito (vide a cena em que o coadjuvante negro morre aos pedaços, na sequência em que Ripley vê os outros clones, ou o próprio alien hibrido, filmado em closes desde quando nasce e mostrado devorando um personagem de perto) o que tira o peso do suspense e do mistério. É visualmente interessante, com cenas de causar nojo, mas não parece conseguir nada mais do que isso.

Desse modo, o filme nunca atinge todo seu potencial, resultando em uma produção que vale a pena ver pelo apelo que a série possui nos fãs de ficção e pela curiosidade em conhecer um novo destino da incansável e destemida personagem Ripley.

TRAILER

BILHETERIA - 24 de Fevereiro a 26 de Fevereiro de 2012

2012-02-28T04:49:00.001-08:00

Filmes de maior Público no Brasil

FILME	EM CARTAZ	SEMANA	TOTAL
01 - Motoqueiro Fantasma *	2	373.748	1.455.009
02 - Cada um Tem a Gêmea que Merece *	3	219.571	1.387.299
03 - A Invenção de Hugo Cabret *	2	174.035	541.857
04 - A Mulher de Preto *	estreia	136.837	157.392
05 - A Dama de Ferro *	2	109.812	372.020
06 - Tão Forte e Tão Perto *	estreia	60.226	60.226
07 - Viagem 2: A Ilha Misteriosa *	4	34.213	818.651
08 - Reis e Ratos *	2	27.188	98.039
09 - O Artista *	3	25.901	151.396
10 - Os Descendentes *	5	25.738	563.726

* Filmes com crítica no blog, basta clicar no nome

Poder Sem Limites | Trailer Legendado

2012-02-28T00:00:00.000-08:00

GANGUES DE NOVA YORK (Crítica) Na estante

2012-02-27T05:30:00.000-08:00

Ficha Técnica

Título Original: Gangs of New York

Ano do lançamento: 2002

Produção: EUA

Gênero: Drama

Direção: Martin Scorsese

Roteiro: Jay Cocks, Steven Zaillian e Kenneth Lonergan, baseado em livro de Herbert Asbury

Sinopse: Em plena Nova York de 1840, o jovem Amsterdam (Leonardo DiCaprio) busca se vingar de William "The Butcher" Cutting (Daniel Day-Lewis), o assassino de seu pai (Liam Neeson), que era o líder da gangue Dead Rabbits. Em sua jornada Amsterdam acaba se tornando amigo e homem de confiança de William, apaixonando-se também por Jenny Everdane (Cameron Diaz), uma bela jovem que é integrante de uma gangue rival.

Por Emanoel Achiles

O jovem irlandês Amsterdam Vallon (Leonardo di Caprio) volta a Manhattan para vingar a morte do pai (Liam Neeson), assassinado por Bill the Butcher (Daniel Day-Lewis, personagem baseado num líder real) num conflito de gangues ocorrido 16 anos antes.

Grandioso, pretensioso, tecnicamente bem realizado, com orçamento inchado de 97 milhões de dólares, mas excessivamente longo, de ritmo entediante, desinteressante e arrastado: é assim que pode ser definido o filme Gangues de Nova York, de Martin Scorsese.

No filme, o jovem irlandês Amsterdam Vallon (Leonardo di Caprio) volta a Manhattan para vingar a morte do pai (Liam Neeson), assassinado por Bill the Butcher (Daniel Day-Lewis, personagem baseado num líder real e que o ator aqui consome tudo ao redor com uma excelente atuação) num conflito de gangues ocorrido 16 anos antes. No meio do caminho, surge um triângulo amoroso, no qual um dos vértices é uma batedora de carteiras (Cameron Diaz).

O filme teve uma produção um tanto turbulenta (reza a lenda que DiCaprio e Day Lewis se estranhavam nos sets de filmagem — o primeiro já é famoso pelas discussões homéricas com o diretor James Cameron nos sets de Titanic e o segundo ganhou fama de difícil pelo colega de trabalho) e foi vitimado também, ironicamente, pelo momento histórico no qual se inseriu. O projeto surgiu inicialmente com a tentativa do diretor de levar o romance em que é baseado, de autoria de Herbert Asbury, às telas do cinema em 1978. Sem conseguir apoio para tal, foi engavetado e só em 2001, depois que vários atores foram cotados para o filme, como Robert De Niro, Willem Dafoe, Heather Graham, Mena Suvari, foi filmado em cenários construídos na Itália — filmagens que demoraram assustadores 220 dias.

Era a época, para quem não se recorda, dos atentados de 11 de setembro de 2001 e o filme estava programado para ser lançado nos cinemas norte-americanos em dezembro de 2001, mas devido a problemas entre o diretor e produtora e os problemas econômicos atravessados pelo mundo paranoico pós-atentado que vitimou Hollywood e lançamentos importantes do cinema, ele foi adiado inicialmente para julho de 2002 e, posteriormente, para dezembro do mesmo ano.

Não se sabe o quanto isso afetou a produção, mas o fato é que “Gangues de Nova York” não se pagou nos EUA (parou nos 77 milhões) e não foi sucesso de bilheteria ao redor do mundo, nem unanimidade de crítica, quando os especialistas consideram que um filme, para se pagar, precisa arrecadar ao menos três vezes mais o que custou.

Parte dessa dificuldade de comunicação do filme com o público vem da sua longa duração, porque assistir ao filme é ter uma aula de paciência. Nem todo filme grande demora a passar, mas aqui são 2 horas e 40 minutos, muitas das quais nada acontece. O roteiro traz uma interessante abordagem política: era a época da imigração irlandesa, período em que milhões de irlandeses abandonaram o seu país devido à

fome e condições de vida horríveis e muitos ficavam nas cidades onde os seus navios ancoravam, como a própria Nova York. Há a problemática civil como pano de fundo, pois se trata do período da Guerra Civil Americana e de conflitos entre a região Norte e Sul do país. E, ainda, a questão social norte-americana: há uma crítica ferrenha a violência, seja contra imigrantes ou negros; o problema da corrupção, das máfias, e da elite esnobe. É a falta de melhor condensação de tanto tema que luta contra o filme. Para completar, o triângulo amoroso complementado por Cameron Diaz, insinuado no filme, é frustrante, sem química, tedioso e mal arquitetado. Nenhum dos atores, tirando Day Lewis, consegue se sobressair ao marasmo das interpretações do elenco.

É então, dessa forma, que apesar de dez indicações ao Oscar, é fácil perceber porque o filme saiu de mãos abanando da premiação. Gangues tem realmente uma produção caprichada, do ponto de vista técnico: a Nova York de meados do século XIX é reconstruída nos detalhes, mérito da pesquisa da produção e do trabalho meticuloso da direção de arte e cenários indicada ao Oscar, que por sua vez é apoiada nos bons efeitos especiais, e que fazem tudo parecer real e autêntico; vale citar também os figurinos e maquiagem, ambos caprichados, como uma cara produção de época requer.

Ocorre, no entanto, que o filme de Scorsese era o mais fraco diante da concorrência do ano, capitaneada por O senhor dos Anéis, O pianista e Chicago. Além de ser um filme difícil, Martin Scorsese, que ganhou indicação ao Oscar de direção pelo filme, divide com a montadora Thelma Schoonmaker a falha de não conseguir dominar a produção e dar a ela o ritmo necessário para entreter, ao invés de massacrar a audiência com sua trama monótona. A sensação ao se assistir Gangues de Nova York é que ele parece pretensioso demais, grande como um bicho demasiadamente pesado para se locomover.

Por fim, o filme joga contra o orgulho americano, mexe em uma ferida escancarada em sua sociedade ao retratá-la com veracidade e crueza. Sua trama evidencia o preconceito racial e social no qual a sociedade norte-americana foi erguida, com seus ladrões, traidores, mafiosos, assassinos, escravos, vagabundos, imigrantes ilegais e prostitutas. Os EUA de hoje tiveram sua base aí, no “lixo” social, base esta que ainda pode ser identificada facilmente na atualidade e isso, para uma nação de primeiro mundo cheia de valores conservadores e de hipocrisia só pode resultar em sentimento de ofensa. Só que no fundo, no fundo, como o filme deixa claro no elogioso final, nada mudou de lá para cá.

TRAILER

PRÊMIOS

OSCAR

Indicações: Melhor Ator - Daniel Day-Lewis, Canção - "The Hands That Built America", Direção de Arte, Figurinos, Melhor Filme, Fotografia, Melhor Diretor - Martin Scorsese, Montagem, Roteiro Original e Som.

GLOBO DE OURO

Ganhou: Melhor Diretor - Martin Scorsese e Canção "The Hands That Built America" - U2

Indicações: Atriz Coadjuvante - Cameron Diaz, Ator - Drama - Daniel Day-Lewis e Filme - Drama.

VENCEDORES DO OSCAR 2012

2012-02-27T04:06:00.001-08:00

À volta as origens e a homenagem ao cinema são destaques na 84ª festa do Oscar. O Artista levando os principais prêmios da noite e junto com A invenção de Hugo Cabret se destacam com 5 estatuetas.

Esse ano os responsáveis pela cerimonia optaram por fazer uma festa tradicional em todos os sentidos a começar pelo apresentar Billy Crystal, veterano apresentador, que como era de se esperar mostra desenvoltura e domínio do palco, mesmo achando que a academia precisa se modernizar sua escolha foi um dos acertos da festa.

Houve também na apresentação de Billy suas parodias com os filmes concorrentes, além do musical também parodiando os concorrentes ao Oscar. Aqui houve até uma pitada de sarcasmo em colocar Justin Bieber como forma de atrair os jovens para festa.

Até esse momento achei que iriamos ver algo novo, mas nada aconteceu ou melhor houve sim um momento memorável com Cirque Di Soleil usando o cinema como tema de seus movimentos mágicos e encantadores.

E como o objetivo era celebrar o cinema achei de bom tom usar os astros para dizer o que gostam no cinema, qual o primeiro filme que assistiram na telona e ai vai.

De restante o Oscar foi mais do mesmo sem surpresas e um pouco mais corrido que o comum.

Gostei dos vencedores, mas ainda acho que o Oscar não passa de uma festa politica e comercial que não reflete em nada o que de fato é o melhor do cinema no mundo.

Mas deixa meus lamentos de lado e veja todos os vencedores do Oscar 2012

Filme

"O artista"

Diretor

Michel Hazanavicius - "O artista"

Ator

Jean Dujardin - "O artista"

Atriz

Meryl Streep - "A dama de ferro"

Ator coadjuvante

Christopher Plummer - "Toda forma de amor"

Atriz coadjuvante

Octavia Spencer - "Histórias cruzadas"

Melhor filme em língua estrangeira

"A separação" - Irã

Melhor animação

"Rango"

Documentário (longa-metragem)

"Undefeated"

Roteiro adaptado

"Os descendentes"

Roteiro original

"Meia-noite em Paris" (Woody Allen)

Fotografia

"A invenção de Hugo Cabret" (Robert Richardson)

Direção de arte

"A invenção de Hugo Cabret"

Figurino

"O artista"

Maquiagem

"A dama de ferro"

Edição

"Os homens que não amavam as mulheres"

Edição de som

"A invenção de Hugo Cabret"

Mixagem de som

"A invenção de Hugo Cabret"

Efeitos visuais

"A invenção de Hugo Cabret"

Trilha sonora original

"O artista" - Ludovic Bource

Canção original

"Man or Muppet", de "Os Muppets", músicane letra de Bret McKenzie

Curta-metragem

"TheShore"

Documentário (curta-metragem)

"SavingFace"

Curta-metragem de animação

"TheFantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore"

Shame | Trailer Legendado

2012-02-27T00:00:00.001-08:00

CABO DO MEDO (Crítica) Na estante

2012-02-26T06:00:00.000-08:00

Ficha Técnica

Título Original: Cape Fear

Ano do lançamento: 1991

Produção: EUA

Gênero: Suspense

Direção: Martin Scorsese

Roteiro: Wesley Strick, baseado em livro de John D. MacDonald

Sinopse: Max Cady (Robert De Niro), um psicopata que foi preso e condenado por estupro 14 anos atrás, cumpriu sua pena e agora está livre. Ele pretende se vingar de Sam Bowden (Nick Nolte), seu ex-advogado, que deliberadamente omitiu informações que alterariam a decisão do júri. Ele pretende agora aterrorizar ao extremo Sam, Leigh Bowden (Jessica Lange), sua mulher, e Danielle (Juliette Lewis), sua filha adolescente, mas pretende fazer isto da forma mais legal possível, pois enquanto cumpria pena estudou todos os aspectos legais possíveis.

Por Emanoel Achiles

A refilmagem Cabo do Medo, de 1991, foi dirigida por Martin Scorsese graças a um pedido de um amigo especial — Steven Spielberg e sua produtora, a Amblin. Por problemas em sua agenda, Spielberg o incumbiu da missão de realizar o remake do filme de 1962 (intitulado Círculo do Medo) que trazia em seu elenco, nomes como Gregory Peck, Robert Mitchum (no papel do psicopata) e Telly Savalas e era baseado em livro de John D. MacDonald.

Aqui, Robert De Niro interpreta um ex-presidiário, Max Cady, preso por estupro, que sai da cadeia 14 anos depois e vai se vingar do advogado Sam Bowden (Nick Nolte) que, segundo ele, foi responsável por condená-lo ao omitir informações importantes sobre a vítima (ela era promíscua), aterrorizando sua família formada por sua esposa Leigh —, a excelente Jessica Lange e a filha Danielle, bem interpretada por Juliette Lewis.

Pelo filme, Martin Scorsese faz um trabalho primoroso na direção. Denso, com cenas que garantem alguns sustos e momentos de ação, o filme constrói uma tensão quase doentia em que Martin acaba confiando e explorando o talento de seus atores — o conjunto de atuação é coeso — e seus esforços vão culminar num clímax assustador dentro de um barco durante uma tempestade.

Há cenas bem elaboradas e criativas, como a que Max Cady foge agarrado debaixo do carro da família que acha que estará livre do maníaco, ou nos momentos em que Max Cady toca o terror na família dentro do barco desgovernado, em que Scorsese salienta o drama e o horror focando seus rostos em close, seja em Sam, machucado por uma briga, seja na assustada Danielle ou no desespero de Leigh em não conseguir proteger sua filha de um iminente ataque sexual do psicopata. Tudo isso cercado de boa fotografia, que casa com o clima sombrio que a sequência pede.

Se Scorsese explora muito bem sua direção, o mesmo pode-se dizer de sua montagem. Thelma Schoonmaker, montadora colaborada frequente do diretor, entende que um filme de suspense depende muito em parte da montagem, do ritmo e dos cortes nele empregado. Ela dá ao filme a velocidade necessária para a ação, para o suspense, ou para o drama quando o filme pede, na dose certa. Por outro lado, é o grupo de atores responsáveis por conduzirem a trama que se sobressai à técnica, do qual se destaca, um degrau acima dos demais, Robert De Niro, numa de suas melhores interpretações e que lhe valeu uma indicação ao Oscar.

Seu personagem, Max Cady, é o resultado de um arrombo desmedido de atuação do ator. Ora cínico, ora fascinante, ora monstruoso, cheio de ódio, terror e alienação, De Niro desaparece dentro do personagem, explora todos os nuances de sua psicopatia evidenciando uma mistura de loucura religiosa e filosófica, e criando um eclipse nos

outros atores. Interessante perceber que o roteiro faz com que Max não ultrapasse a linha da lei durante praticamente todo o filme, atuando sempre de forma contida para que Sam e sua família se sintam perturbados a cometerem loucuras pela sua presença, a fugirem, e a posicionar Max também como uma vítima, afinal, ele pagou pelas decisões de Sam. É uma tortura psicológica e excelente artifício de roteiro que confunde a cabeça do espectador (seria Max também uma vítima? Seria Sam plenamente inocente?), o que garante de largada metade do êxito da trama do suspense. A interpretação de De Niro na cena do teatro, em que irradia sensualidade com Juliette Lewis (outra indicada ao Oscar) e ao mesmo tempo horror — o espectador a todo instante lembra que o psicopata foi preso por estupro e está diante de uma potencial vítima indefesa — merece aplausos. É De Niro que faz com que Cady se torne algo fascinante, mas ao mesmo tempo uma pessoa asquerosa e repugnante.

Correndo por fora, o núcleo familiar pilotado por Nick Nolte e Jessica Lange merece também atenção do espectador. O surgimento de Max faz com que o casamento e a família ameacem ruir e pior, joga o personagem Sam não como uma vítima plena, nem como uma pessoa correta, mas uma pessoa com atitudes de caráter duvidoso que também tem contas a acertar com sua consciência, e com sua família. O desenrolar da trama é que vai mostrar para os dois se a instituição familiar é forte o bastante para resistir ao impacto de Max na vida de todos ali. Juliette Lewis, por fim, convence como a adolescente, rebelde e sensual, mas ao mesmo tempo inocente, que transita entre o desejo por Max e a sensação de ameaça que ele exerce sobre ela — e que faz com que ela desafie sua própria segurança.

Cabo do medo é um exemplo de tipo de produção que volta e meia aparece no cinema e se destaca, tal qual O silêncio dos inocentes (curiosamente, o ator Anthony Hopkins ganhou o Oscar de melhor ator como o psicopata Hannibal Lecter por este filme concorrendo com De Niro, este por Cabo do Medo). A qualidade técnica se mistura a competência dos envolvidos e resulta em um filme interessante, notável, bem dirigido e com interpretações bem acima da média — o qual pode não ser considerado o melhor de Martin Scorsese, mas que merece ser conferido.

TRAILER

PRÊMIOS

OSCAR

Indicações: Melhor Ator - Robert De Niro, Melhor Atriz Coadjuvante - Juliette Lewis

GLOBO DE OURO

Indicações: Melhor Ator - Drama - Robert De Niro e Melhor Atriz Coadjuvante - Juliette Lewis

BAFTA

Indicações: Melhor Fotografia e Melhor Edição

PÔSTERES NACIONAL E INTERNACIONAL - VALENTE

2012-02-26T00:00:00.000-08:00

A MULHER DE PRETO (Crítica)

2012-02-24T17:24:00.001-08:00

Por Kadu Silva

Edição Kadu Silva

Um clichê horripilante!

Após os créditos de Mulher de Preto fiquei pensativo e tentando entender porque os filmes de terror atualmente seguem sempre a mesma cartilha. Será preferencia do público? Ou uma solução mais fácil escolhida pelos roteiristas e diretores? Ainda não cheguei a uma conclusão definitiva, o que fica claro é que nesse longa-metragem, mais uma vez encontramos um filme que prima pelos sustos e esquece de deixar que o espectador encontre no fundo da mente seus medos mais íntimos, apesar disso o longa-metragem é uma ótima obra do gênero.

O roteirista Jane Goldman adaptou do livro de Susan Hill o longa que usa dos mitos, crenças e descrenças do espiritismo como base para o desenvolvimento da narrativa. O único problema foi o abuso excessivo dos clichês que até compreendo em parte o uso, mas aqui achei que poderia ter uma dosagem menor no decorrer do filme. Como já citei faltou também uma melhor maneira de sustentar o suspense e tirar a evidencia da “vilã”, deixando que o público crie essa imagem horripilante de uma “alma penada”.

Na trama, um jovem advogado chamado Arthur Kipps, após o ultimato da firma onde trabalha, parte em busca de uma vila para tratar dos assuntos jurídicos de um falecido dono de uma mansão. Assim, é forçado a deixar o filho pequeno na responsabilidade de uma babá na cidade onde mora. Chegando nessa vila, logo percebe que todos os moradores parecem assustados com a presença dele e o quadro só piora quando o Sr. Kipps começa a ver uma mulher vestida de preto ao redor da mansão.

O diretor James Watkins tentando equilibrar o tema espiritismo com o gênero terror de forma convincente, acaba tendo um resultado até que razoável de modo geral, o que o impede de ousar um pouco é o roteiro que não sai da zona de conforto que são os vários sustos durante o desenrolar da trama e a soluções clichês para isso.

Fora isso, o filme é elogios, a começar pela magnifica direção de arte, a reconstituição de época é perfeita, somando aos figurinos também excelentes, tem ainda a fotografia de Tim Maurice-Jones que coloca tudo em tons cinza e com muita neblina para aumentar o clima de terror no decorrer dos 95 minutos do longa-metragem.

O diretor, também merece menção ao modo escolhido para conduzir as cenas de suspense, sua frenética câmera, tenta aproximar os detalhes a todo instante - se não tivesse focado o lado “mau” da história com luz, talvez tivesse ainda um melhor resultado. E o público interage muito com o longa-metragem (se assustando principalmente) tentando encontrar nesses detalhes alguma parte importante do quebra-cabeça da trama.

Outro ponto positivo do filme é o elenco afinado com a proposta do longa. Dois se destacam, Daniel Radcliffe que realmente surpreende, tirando totalmente de nossa lembrança seu personagem eterno que é Harry Potter. Fica evidente seu esforço para em nenhum momento repetir os trejeitos do bruxinho e consegue com louvor tal feito. Outra que faz uma ponta, mas rouba a cena é Janet McTeer que faz uma mãe perturbada com a morte de seu filho, o tom escolhido pela atriz é perfeito, sabendo equilibrar os momentos de lucidez com as frenéticas lembranças do filho morto, de arrepiar!

Em resumo o filme me surpreendeu pela excelente produção e pelo acabamento formidável, tirando o problema de cair na mesmice dos filmes de terror é um longa metragem perfeito e imperdível para quem gosta de levar vários sustos, aqueles de causar calafrio. O Ccine recomenda!

DESTAQUE

A boa trilha de Marco Beltrami é perfeita para sustentar o clima tenso e horripilante que as cenas seguem, digna de elogios.

SINOPSE

Arthur Kipps (Daniel Radcliffe) é um jovem advogado contratado para cuidar dos negócios de um cliente e para isso teve que se dirigir para um pequeno vilarejo com o intuito de regularizar documentos. Hospedado em uma casa isolada, ele passa a ter visões sinistras e acaba se envolvendo numa trama de vingança.

ELENCO

DanielRadcliffe (Arthur Kipps)

CiaránHinds (Sr. Daily)

JanetMcTeer (Sra. Daily)

DIREÇÃO

JamesWatkins

FICHA TÉCNICA

Título Original: The Woman in Black
Gênero: Terror
Duração: 1 hr 35 min
Ano de lançamento: 2012
Site oficial: http://www.womaninblack.com

TRAILER

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ESTÃO DIZENDO: Uma paisagem sombria é o grande palco do novo trabalho de Daniel Radcliffe, ‘A Mulher de Preto’. Nesse filme de suspense dirigido por James Watkins (que assinou a direção do filme ‘Eden Lake’ que tem o bom ator Michael Fassbender no elenco) toca no assunto espiritismo de maneira bem ampla mostrando personagens que acreditam e um em específico descrente de todas essas hipóteses. Entre uma névoa e outra fica evidente uma coisa: A mansão mal assombrada pelo espírito de uma mulher que se veste de preto. (Guia do cinéfilo)

TÃO FORTE E TÃO PERTO (Crítica)

2012-02-24T17:24:00.000-08:00

Por Kadu Silva

Edição Kadu Silva

Sensível e extremamente tocante

Stephen Daldry é um diretor sortudo, obstinado ou é realmente um fazedor de filmes que agradam a academia? Pois no seu quarto filme de carreira ele acaba de receber sua quarta indicação ao Oscar.

Tudo começou em 2000 com Billy Elliott, depois em 2002, As Horas, em 2008 veio O Leitor, e agora o seu mais novo filme Tão forte e tão perto novamente ganha uma indicação, a grande surpresa, pois em nenhum momento foi cotado como provável indicado.

E quem para quem já conhece seus outros filmes, sabe do seu lado sensível de mostrar dramas tocantes e como era de se esperar esse filme é uma “doçura” do começo ao fim e mais importante sem ser piegas.

O longa-metragem apresenta para o público Oskar, um garoto que sofre de síndrome de Asperger, tem várias fobias e muitas dificuldades de se relacionar, a não ser com seu pai Thomas (Tom Hanks). Para ajudar o filho a perder o medo, ele promove expedições pela cidade, com caças ao tesouro elaboradas. Então quando Thomas, que estava por acidente nas torres, morre no 11 de setembro, o mundo de Oskar cai. Ele tenta entender por quê. Sua mãe, traumatizada, está em poucas condições de ajuda-lo, até por não ser tão próxima do garoto. A busca do menino por respostas vira uma nova gincana pela metrópole depois de ele achar uma chave escondida num vaso de seu pai.

A premissa não é nada ousada, e muito menos original, mas de fato apresenta elementos que na mão certa pode render grandes frutos e de fato é o Stephen Daldry faz, transforma toda essa “aventura” numa grande viagem a novas descobertas, mesmo que para muitos possa parecer muito melodramático.

Usando e abusando de metáforas, metalinguísticas e de closes hipnotizantes o filme mostra Oskar como sendo incapaz de perceber o que passa ao seu lado, egoísta e auto-centrado, torna-se uma metáfora da sociedade americana depois do atentado, aterrorizada com o outro, o estrangeiro, com medo de tudo, e ressentida pela perda. A indiferença de Oskar às maravilhas da cidade-sede do império, da imensa riqueza humana em volta de si, sua incapacidade de aproveitar os momentos únicos que ele estava tendo do lado daquelas pessoas, esse é um dos grandes trunfos do filme.

O longa-metragem, portanto, cresce (e bem) com a entrada de Max von Sydow, um velho mudo que aluga um quarto da casa da avó do menino. Ele vai se juntar ao menino na busca e, uma vez em contato com o estranho, Oskar terá de se comunicar, precariamente, pois o homem apenas escreve pequenas frases em um bloco de notas. Oskar é intragável às vezes, o que aumenta a densidade da personagem. Encalacrado na sua busca, terá de fazer escolhas, ser flexível, encarar a realidade (momento mágico).

Em seguida Daldry nos leva a um rio de lágrimas com um desfecho que é sim melodramático, sensível, mas que desde o conheço fez parte da proposta do diretor, e como já citei, quem o conhece sabe que é sua característica. A meu ver é um filme doce, tocante e nada piegas.

Vale destacar também um show de interpretação do estreante Thomas Horn que faz o garoto Oskar. Seu desempenho é sensacional, nos deixando totalmente tocados e envolvidos com seus propósitos. Irão querer me crucificar, mas depois de Jean Dujardin para mim a melhor interpretação masculina do ano, o menino consegue logo de cara nos conquistar e nos faz acreditar em suas escolhas sem contar que nos leva as lágrimas com seus belos atos no desfecho do filme.

Se você não se importa de ser “manipulado” para chegar às lágrimas, e, além disso, gosta de um drama bem realizado nada piegas o Ccine recomenda esse lindo filme - do diretor que sabe como ser indicado ao Oscar, para os outros tem várias opção interessantes em cartaz. Fica a dica.

DESTAQUE

Para os vários coadjuvantes que assim como Thomas Horn estão excelentes em suas pequenas participações, de fato o destaque é para Max von Sydow que sem soltar uma única palavra fala e muito com seu olhar e seus gestos doce em sua jornada com Oskar como já citei o melhor momento do filme.

SINOPSE

Baseado no livro "Extremamente Alto e Incrivelmente Perto", o longa segue a história do pequeno Oskar. Aos 11 anos de idade, ele encontra uma misteriosa chave que pertencia a seu pai, que morreu no atentado às Torres Gêmeas no dia 11 de setembro de 2011, e embarca em uma jornada secreta pelas cinco regiões de Nova York. Enquanto vaga pela "Grande Maçã", Oskar encontra pessoas de todos os tipos.

ELENCO

Thomas Horn(Oskar Schell)

Tom Hanks (ThomasSchell)

Sandra Bullock (Linda Schell)

Max vonSydow (Inquilino)

Viola Davis(Abby Black)

DIREÇÃO

StephenDaldry

FICHA TÉCNICA

Título Original: Extremely Loud and Incredibly Close
Gênero: Drama
Duração: 2 hr 9 min
Ano de lançamento: 2012
Site oficial: www.taoforteetaoperto.com.br

TRAILER

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ALBERT NOBBS (Crítica)

2012-02-24T07:00:00.000-08:00

Por Kadu Silva

Edição Kadu Silva

Atuações que valem o ingresso

Ano passado ao escrever sobre alguns filmes, citei o oportunismo de alguns diretores e produtores em fazer longas-metragens focando prêmios em festivais ou mesmo o tão cobiçado Oscar. No meio cinematográfico podemos qualifica-los como “corretos” e muitas vezes fracos filmes.

Albert Nobbs é um exemplo desses filmes que estão em busca principalmente da notoriedade de Glenn Close que há muito tempo ficou esquecida nas principais premiações do cinema no Oscar, por exemplo, sua última indicação foi em 1988 por Ligações Perigosas, tanto é que nesse filme ela praticamente faz tudo, roteiriza, produz e é a protagonista.

Muitos críticos alegam sua queda profissional, devido ao excesso de cirurgias plásticas mal sucedidas, o que de fato pode ter influência. E pensando nesse rosto quase plastificado sem expressões que esse filme caiu como uma luva para Close, pois se trata de uma história de uma mulher que necessita se vestir de homem para sobreviver na Irlanda do século XIX, machista e conservadora. Close faz Albert Nobbs um discreto mordomo que trabalha em um hotel, e sua vida muda após conhecer Hubert Page (Janet McTeer), outra mulher se fazendo de homem, que vai trabalhar como pintor no mesmo hotel. Vendo que Page consegue disfarçar ainda mais seu sexo por ser casada com uma mulher, Albert cria coragem para cortejar a jovem Helen Dawes (Mia Wasikowska), que traz para ela uma série de problemas em curto prazo.

Não só a premissa, mas o filme é bem simples, quase sem nenhum clímax. Seu ritmo é lento e de linguagem bem antiquada, seu grande destaque são as interpretações acima da média.

A direção de Rodrigo García é correta, sendo fundamental para brilhar ainda mais a personagem de Close que como é de se esperar praticamente está presente em todas as cenas.

E ela se empenhou tanto para o filme que até a música tema do filme é de sua autoria “Lay Your Head Down", cantada pela Sinead O'Connor e indicada a melhor canção no Globo de Ouro desse ano.

Vale lembrar o excelente trabalho de época que foi realizado, tanto é que o filme não parece ter sido feito nos dias atuais, dos cenários ao figurino é um verdadeiro show de bom gosto.

Aproveitando a deixa desses aspectos técnicos a maquiagem que até teve indicação ao Oscar também é excelente, a caracterização de Glenn Close e Janet Mcteer como homens é perfeita, tanto é que da Janet me enganou durante certo período do filme sobre sua sexualidade.

Apesar de o filme ser totalmente voltado para a redenção de Glenn Close, vale a pena conferir essa história simples, mas que consegue passar uma bela mensagem de busca pela felicidade ou de sobrevivência perante situações hostis.

O final não me agrada, para não citar spoilers não vou comentar mais a fundo, mas acho que esse tipo de abordagem já cansou no cinema, mesmo ao retratar filme de época, não vejo necessidade de continuar com esse tipo de “situações negativas”.

O Ccine recomenda, esse filme correto, mas que não traz muita coisa além de um verdadeiro show de Glenn Close e Janet Mcteer em sua performances como homens.

DESTAQUE

Para a boa fotografia Michael McDonough que conseguiu dar o ar meio sóbrio e frio que o roteiro pede.

SINOPSE

Irlanda, século XIX. Albert Nobbs (Glenn Close) trabalha como mordomo e esconde um segredo: é, na verdade, uma mulher. Durante 30 anos ela vestiu roupas masculinas e se fez passar por um homem, para poder se manter e concretizar o sonho de ser a dona de uma tabacaria.

ELENCO

Glenn Close(Albert Nobbs)

MiaWasikowska (Helen Dawes)

AaronJohnson (Joe Macken)

Janet McTeer (Hubert Page)

DIREÇÃO

Rodrigo García

FICHA TÉCNICA

Título Original: Albert Nobbs
Gênero: Drama
Duração: 1 hr 53 min
Ano de lançamento: 2012
Site oficial: http://albertnobbs-themovie.com

TRAILER

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ESTÃO DIZENDO: O filme em si não é nenhuma jóia, apesar de ser bastante correto. É bem produzido, singelo, tem Glenn Close e Janet McTeer em suas melhores formas (a cena em que Close se veste como mulher e corre rumo à liberdade momentânea é uma das mais bonitas estética e sentimentalmente), e tem um final que me satisfez, embora eu reconheça que muita gente possa chiar, mas que pelo menos não fez jus a maneira didática como o filme estava seguindo desde o seu início. (Poses e Neuroses)

FILMES EM CARTAZ (24/02/2012)

2012-02-24T00:00:00.000-08:00

Tão forte e tão perto

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Crítica e Trailer (Clique aqui)

A mulher de preto

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Crítica e Trailer (Clique aqui)

Albert Nobbs

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Crítica e Trailer (Clique aqui)

Na próxima semana: Anjos da noite – O despertar, Billi Pig, Cairo 678, As flores de Kirkuk, Drive, Habemus Papam, Jovens adultos, Minha felicidade, Oliver Sherman – Uma vida em conflito, Poder sem limites, A saga Molusco: Anoitecer, Shame e O porto. Sujeito a alterações por parte das distribuidoras.

OSCAR 2012 - Palpites e análise

2012-02-23T07:00:00.001-08:00

Quem ganha e quem eu gostaria que ganhasse

Como ano passado esse post sobre os palpites ao Oscar conseguiu agradar quase todos, resolvi esse ano brincar novamente com isso.

Depois de assistir a todos os filmes indicados, o que se percebe é uma boa qualidade em todos os longas-metragens, cada um no seu estilo, mas é inegável a falta de alguns importantes, para não me estender vou citar somente 2, “TUDO PELO PODER” e “PRECISAMOS FALAR SOBRE O KEVIN”.

Antes de listar os favoritos nas principais categorias vou colocar em ordem do melhor ao mais fraco os indicados a melhor filme.

(1º) O artista

Pela ousadia e por fazer uma bela e inesquecível homenagem ao cinema mudo sem dúvida é o grande nome da festa, para quem ainda não assistiu corra para os cinemas é maravilhoso.

(1º) A invenção de Hugo Cabret

Outro fabuloso filme que precisa ser conferido de joelhos é esse novo filme de Scorsese, deixei sem segundo lugar apenas por uma “falha” no roteiro, mas é sem dúvida uma obra prima que também faz homenagem ao cinema de forma mágica. Sem contar que o 3D é simples PERFEITO! Quem não assistiu é um filme obrigatório.

3º A árvore da vida

Apesar de estar apenas como coadjuvante entre os indicados para mim é um filme “fora de série”, imperdível, de um envolvimento e de uma sensibilidade que mereceu a indicação e que vale a pena ser visto. Apesar de dividir opiniões na minha é que é outra obra prima.

4º Meia-noite em Paris

Ah... que filme “delicioso”, impossível não ficar totalmente encantado por essa obra de Woody Allen. Um roteiro magnifico que nos faz viajar sem sair da cadeira de forma sensacional. Outra obra prima que precisa estar na coleção de quem gosta de cinema de qualidade, com certeza vou comprar o Blur-ray.

5º Tão Forte e Tão Perto

Desse filme em diante começa os filmes apenas ok.

Apesar de realmente ser um filme melodramático, a sensibilidade do diretor em usar a imagem do garoto para retratar a sociedade norte americana após o atentando de 11 de setembro de forma tão profunda, já vale a indicação, mesmo que tenha sido totalmente inesperada por grande parte da crítica. É daqueles filmes que fica impossível não se envolver, lindo e fortemente emocionante.

6º Os descendentes

Um grande filme, emocionante, sensível, mas que para mim tem um roteiro muito simples e sem grande apelo. Vale por excelentes interpretações e por mostrar um Hawaii pouco visto na telona.

7º O homem que mudou o jogo

Outro filme muito interessante, que consegue mesmo usando o esporte como fundo fugir do clichê dos filmes do gênero e fazer através do protagonista uma analise profunda de um homem em busca de sua autoafirmação. Brad Pitt no auge e uma montagem de aplaudir de pé fazem desse filme também outra obra imperdível!

8ª História cruzadas

Apesar da relevância do tema, o filme não passa de mais uma obra que de forma maniqueísta mostra o racismo nos EUA, nos anos 60. Outro que se vale principalmente das grandes atuações de Viola Davis e Octavia Spencer.

9º Cavalo de guerra

Eu ano Spielberg, mas de fato esse filme diante de seus concorrentes é o mais fraco, mesmo achando o filme uma linda obra.

Favoritos nas principais categorias

MELHOR FILME

FAVORITO: O artista

ALTERNATIVA: A invenção de Hugo Cabret

O MEU VENCEDOR: qualquer um dos dois eu fico feliz.

MELHOR DIRETOR

FAVORITO: Michel Hazanavicius

ALTERNATIVA: Martin Scorsese

O MEU FAVORITO: Martin Scorsese

MELHOR ATOR

FAVORITO: Jean Dujardin - O Artista

ALTERNATIVA: George Clooney - Os Descendentes

O MEU FAVORITO: Jean Dujardin - O Artista

MELHOR ATRIZ

FAVORITO: Meryl Streep - A Dama de Ferro

ALTERNATIVA: Viola Davis - Histórias Cruzadas

O MINHA FAVORITA: Não foi indicada Tilda Swinton, mas entre as duas, fica com Meryl

MELHOR ATOR COADJUVANTE

FAVORITO: Christopher Plummer - Toda Forma de Amor

ALTERNATIVA: Max Von Sydow - Tão Forte e Tão Perto

O MEU FAVORITO: Christopher Plummer - Toda Forma de Amor

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE

FAVORITA: Octavia Spencer - Histórias cruzadas

ALTERNATIVA: Berenice Bejo - O artista

O MINHA FAVORITA: Janet McTeer - Albert Nobbs

MELHOR LONGA-METRAGEM DE ANIMAÇÃO

FAVORITO: Rango

ALTERNATIVA: Gato de Botas

O MEU FAVORITO: Rango

ROTEIRO ADAPTADO

FAVORITO: Os Descendentes

ALTERNATIVA: O Espião que Sabia Demais

O MEU FAVORITO: Tudo Pelo Poder

ROTEIRO ADAPTADO

FAVORITO: O artista

ALTERNATIVA: Meia-noite em Paris

O MEU FAVORITO: Meia-noite em Paris

A cerimonia acontece dia 26 de fevereiro e será transmitida a partir das 22 horas no canal pago TNT e no canal aberto na Rede Globo.

Na segunda, dia 27 volto com os vencedores e a repercussão da premiação.

CRÍTICA DE TODOS OS FILMES INDICADOS AO OSCAR 2012

2012-02-23T00:00:00.000-08:00

A invenção de Hugo Cabret (Leia – Clique aqui)

A árvore da vida (Leia – Clique aqui)

Cavalo de guerra (Leia – Clique aqui)

História cruzadas (Leia – Clique aqui)

Meia-noite em Paris (Leia – Clique aqui)

O artista (Leia – Clique aqui)

O homem que mudou o jogo (Leia – Clique aqui)

Os descendentes (Leia – Clique aqui)

Tão Forte e Tão Perto (Leia – Clique aqui)

CENAS DIGNAS DE “OSCAR”

2012-02-22T05:00:00.000-08:00

São muitas as atrizes de peso que foram indicadas e receberam a estatueta, volte e meia nos deparamos com algumas injustiças na premiação, mas também com muitas gratas surpresas nas escolhas, segue algumas cenas que devem ter pesado muito na hora da academia consagrar essas grandes interpretes, ao lado cito o ano de premiação.

Por Marcos Piovesan

- Preciosa – Uma história de esperança ( Precious : Based on the novel push by Sapphire ) - 2010

Oscar melhor atriz coadjuvante: Mo’Nique

Esse filme me lembrou muito o inesquecível “A cor púrpura”, porque o que mais surpreende é que ele é feito de um bom roteiro e atuações incríveis, quando uma personagem faz com que você a odeie com todas as forças, é sinal que a atriz é muito boa mesmo.

É o caso de Mary ( Mo’Nique ), mãe da personagem título, quando mãe e filha se encontram em frente a assistente social ( Mariah Carey , sem maquiagem e com cabelo escuro ) e ela conta como começou o assédio sexual do seu marido ( Rodney Jackson ) com sua filha de seis anos, isso tudo com muitas lágrimas e sofrimento, a cena te emociona.

Obs. Essa é a única cena que o Youtube não deixa incorporar, então clique aqui para assisti-la.

- O leitor ( The reader ) -2009

Oscar melhor atriz: Kate Winslet

Esse foi o ano dessa grande atriz ser reconhecida por seu trabalho, é uma difícil tarefa listar qual a melhor cena do filme, porque todas são muito boas, mas uma das mais emocionantes é quando Hanna Schnmitz ( Kate Winslet ) esta para sair da prisão, já bem velha ela recebe a visita de Michael Berg ( Ralph Fiennes ), que era um garoto ( David Kross ) quando foi seu amante, e tem a frustrada esperança de ter um futuro ao seu lado após ser libertada.

- Piaf – um hino ao amor ( La Môme ) - 2008

Oscar melhor atriz: Marion Cottilard

Para começar você não acredita como a equipe de maquiagem consegue transformar a linda atriz Marion, na cantora francesa Edith Piaf. Na cena em que ela descobre que seu amado Marcel Cerdan ( Jean Pierre Martins ) está morto, ela desesperada chora e corre por todo o apartamento a sua procura, ao som da música “L’Hymne a l’amour”, você chega a se arrepiar todo, tamanha a interpretação da atriz.

- Monster – desejo assassino ( Monster ) - 2004

Oscar melhor atriz: Charlize Theron

Outra atriz que teve um trabalho de maquiagem e caracterização incrível para viver uma mulher verdadeira, conhecida como a primeira serial killer dos Estados Unidos. A prostituta Ailleen Wuornos ( Charlize ) depois de ser agredida por um cliente acaba matando ele, nessa cena em questão a atuação da atriz é incrível, tamanho o desespero que ela sente pelo ato que cometeu.

- Shakespeare apaixonado ( Shakespeare in Love ) – 1999

Melhor atriz coadjuvante: Judi Dench

A atriz Kate Blanchett ficou famosa ao interpretar a rainha da Inglaterra Elizabeth I, tanto que lhe rendeu dois filmes, mas Judi Dench não deixa nada a desejar, apesar de sua pouca aparição nesse filme, sua atuação é marcante. Quando a rainha aparece no teatro para a apresentação de “Romeu e Julieta”, afim de averiguar uma denúncia que há uma mulher em cena ( o que era proibido para a época ), a atriz nos mostra todo o peso dessa figura histórica.

- O paciente inglês ( The English patient ) - 1997

Oscar melhor atriz coadjuvante: Juliette Binoche

A atriz Juliette Binoche fez filmes importantes como “A insustentável leveza do ser e “A liberdade é azul”, mas foi levar o Oscar de melhor atriz coadjuvante somente nesse filme, interpretando a jovem enfermeira Hana que no final da segunda guerra mundial cuida de um enfermo desconhecido ( Ralph Fiennes ). Não suportando mais a dor de suas queimaduras por todo o corpo, o “Paciente inglês”, pede que ela aplique mais de uma ampola de morfina nele, chorando a jovem atende seu pedido causando sua morte e acabando com seu sofrimento.

- O piano ( The piano ) - 1994

Oscar melhor atriz: Holly Hunter

Para começar a direção de fotografia desse filme é incrível, com sua falta de cor numa história que se passa na época vitoriana. Quando Stewart ( Sam Neill ) descobre que sua esposa Ada McGrath ( Holly Hunter ) o esta traindo com o rústico George Baines ( Harvey Keitel ), ele arrasta ela na chuva e no meio da lama corta seu dedo, para que nunca mais ela dê aulas de piano para o amante, você consegue sentir a dor dela tamanha sua expressão, um detalhe a mais: sua personagem é muda.

- Tomates verdes fritos ( Fried Green Tomatoes ) - 1991

Oscar melhor atriz coadjuvante - Indicação: Jessica Tandy

Um filme difícil de escolher a melhor, pois conta com muitas atrizes boas no melhor de suas interpretações, quando Evelyn Couch ( Kathy Bates ) uma dona de casa emocionalmente reprimida, vai visitar sua amiga a Sra.Threadgoode ( Jessica Tandy ), uma senhora de 83 anos que está como acompanhante de uma amiga em uma clínica, ela encontra o quarto vazio e uma enfermeira retirando das paredes as rosas coladas pela amiga, desesperada ela começa a chorar.

- A escolha de Sofia ( Sophie’s Choice ) - 1983

Melhor atriz: Meryl Streep

Recordista em indicações ao Oscar e Golden Globe Awards, essa é o tipo de atriz que dificilmente vamos ver dois papéis iguais sendo interpretados por ela.Nesse filme ela é Sofia Zawistowska, uma polonesa que fora prisioneira em um campo de concetração durante a Segunda Guerra Mundial e mãe de um menino e uma menina. Cena digna de Oscar é quando ela se vê obrigada a escolher em ficar com apenas um dos filhos.

- Ghost – do outro lado da vida ( Ghost ) – 1991

Melhor atriz coadjuvante: Whoopi Goldberg

Em toda a minha lista citei muitas atrizes que ganharam o Oscar por personagens e cenas trágicas, mas essa última escolhida ameninza um pouco o tom dramático desse filme.O espírito de Sam Wheat ( Patrick Swayze ) se utiliza da médium trambiqueira Oda mae Brown ( Whoopi ) para se comunicar com sua esposa Molly Jensen ( Demi Moore ) . Numa das cenas finais, em que o fantasma pede que a médium doe um cheque com uma grande quantia, para freiras que estão pedindo donativos na rua, o tom cômico da atriz nos faz rir e muito, enquanto ela segura o papel sem querer soltar.